21/03/2011

Con 40 artistas en escena y un equipo técnico espectacular, el musical “Michael Jackson, Forever King of pop” ha sido uno de los grandes éxitos de la temporada. Para los efectos de iluminación, los responsables técnicos han utilizado una unidad Digital Spot 7000 DT de Robe.



El espectáculo, producido por Summo Music, realiza un tributo a Michael Jackson, recorriendo los mejores éxitos de toda su carrera y haciendo revivir a los espectadores momentos importantes de la vida del artista. En total, 30 temas son interpretados y bailados por los cuarenta artistas que conforman el equipo.



La gira, que ya ha pasado por Madrid, Barcelona y otras ciudades, continuará hasta finales del próximo mes de febrero por Valencia, Córdoba, Murcia, Pamplona, Logroño y San Sebastián.

Ángel Gutiérrez Redondo ha sido el diseñador de iluminación escénica del espectáculo. Este reputado técnico posee una amplísima experiencia en el sector de la iluminación escénica; anteriormente ha sido el responsable de iluminación para los espectáculos de artistas como Víctor Manuel y Ana Belén, Rosana, Rosario, Lolita y Alejandro Sanz. En su diseño de iluminación, ha reservado una unidad Digital Spot 7000 DT para realizar algunos de los efectos más espectaculares que pueden verse sobre el escenario.



DigitalSpot 7000 DT es un proyector móvil digital basado en tecnología LCD y LED. Esta combinación de proyector digital y dos potentes módulos RGBW LED ofrece efectos gobo y la proyección de colores altamente saturados. Emite 6.500 lumens ANSI con una única lámpara de proyección de 330W y consigue una sorprendente relación de contraste de 2,000:1. Cada uno de los dos módulos LED disponen de 49 LED RGBW Luxeon Rebel, y proporciona una luz extremadamente brillante en todo el espectro de color. Ofrece, además, entrada DVI y entrada/salida SDI, DigitalSpot 7000 DT.

Probablemente, el instrumento más personal entre los que componen la batería

La batería posee en la actualidad una entidad propia tan clara que a veces nos olvidamos de que son muchos instrumentos juntos. Dentro de estos la caja, el bombo, charles y ride juegan un papel protagonista dentro de la configuración estándar de la batería. La caja existe aproximadamente desde el siglo XV aunque entonces se llamaba "Tambor" (Tabor) y se usaba para fines militares. El nombre de "Tambor" es muy habitual en el idioma castellano pero resulta muy peculiar para los de habla inglesa. En inglés la caja se llama "Snare Drum" que, traducido a nuestro idioma, es algo así como "tambor con bordonero".

La caja es, probablemente, el instrumento más personal entre los que componen la batería. Éste elemento resulta particularmente importante ya que está presente en la mayoría de nuestros patrones, ritmos y arreglos. De hecho, son casi una anécdota los ritmos o patrones que se realizan sin usar la caja. Su voz se distingue con claridad y define en gran medida el estilo del intérprete. No es extraño encontrar músicos que poseen varias cajas con el fin de amoldarse a los diferentes contextos musicales a los que se enfrentan. Este instrumento tiene un papel tan importante y una voz tan peculiar que, cuando cambias de caja, toda la batería parece sonar diferente. También es muy usual que en las grabaciones de estudio se tenga preparado un buen arsenal de cajas para probar timbres y sonoridades distintos. En estas situaciones se suele emplear la misma configuración de batería para todo el disco y, sin embargo, se cambia de caja de un tema a otro. Con esto se consigue dar un color diferente a la sonoridad general de la batería y, por ende, a la canción. Esto es en términos generales ya que sabemos que cada grabación es un mundo aparte.

En el presente artículo pretendemos analizar este instrumento en todas sus vertientes; construcción, materiales, sonidos, acabados, utilidades, etc. Esperamos que la ofrecida guía os sirva de referencia en la búsqueda de vuestra propia voz. Con el fin de aportar información para todos, incluso para los principiantes, comenzaremos desde lo más básico.

LA CAJA, PARTES
La caja está compuesta por un cilindro llamado "casco" (Shell) que puede estar fabricado con los materiales más diversos aunque normalmente se suele utilizar madera o metal. En dicho casco se encuentran los tensores (Lugs) que sujetan los tornillos para tensar los parches (Heads). Estos últimos son unas láminas sobre las que se golpea para obtener el sonido. Los parches se sujetan con los "aros" (Hoops) que cumplen la función de sujeción y tensión de estos. En la parte inferior de la caja y en contacto con el parche de este lado se encuentra el bordonero (Snare). Esta pieza es muy importante ya que dota a la caja de ese sonido "arenoso" que la hace diferenciarse de los demás tambores que componen la batería. El bordonero está compuesto por una serie de "cables" metálicos que vibran al golpear el parche superior.
Esto es, a grandes rasgos, en que consiste la caja. Ahora expliquemos con detenimiento cada parte.

El casco
El casco es el cilindro que constituye el cuerpo de la caja. Puede estar fabricado en madera, metal u otros materiales. En cuanto a los tipos de madera, se suele utilizar el arce y el abedul aunque, hoy en día, podemos encontrar cascos de haya, roble, cerezo, álamo, basswood o tilo, nogal, bambú y un largo etcétera. Cada madera aporta un timbre distinto al sonido de la caja. Pero, como hemos mencionado antes, el casco también puede ser metálico. Los materiales metálicos más empleados son latón, bronce y acero aunque también se utiliza el aluminio y el cobre en menor medida. Hablaremos del sonido más tarde en un apartado exclusivamente dedicado a ello.

Es interesante echar un vistazo a los catálogos de las diferentes marcas de batería ya que, en su continua experimentación y búsqueda, nos ofrecen cajas fabricadas con los materiales más diversos e insospechados. Entre estos encontramos la fibra de vidrio o el metacrilato, por nombrar algunos.

El casco también puede poseer diferentes medidas tanto de profundidad como de diámetro. La medida estándar es 14" de diámetro y 5,5" de profundidad. No obstante, esto es sólo una norma general ya que cada músico gusta de unas medidas concretas. La profundidad de las cajas puede llegar hasta 8". Existen cajas más profundas pero se trata de las que se utilizan en formato de banda. En cuanto al diámetro encontramos que éste puede llegar a ser de 15" en algunos modelos muy concretos (Kenny Aronoff track master model, de Tama) pero lo normal es que no pase de 14". Actualmente se utilizan a menudo cajas auxiliares de diámetros pequeños (10" 0 12") que aportan una sonoridad similar a la de los "loops" pregrabados. La profundidad del casco también puede ser menor llegando, en algunos casos, a las 3". Las cajas llamadas "piccolo" son precisamente éstas, diámetro convencional (14", 13") pero escasa profundidad (3", 3,5"). En cambio, las cajas denominadas "soprano" son de profundidad convencional (5", 7") pero diámetro pequeño (10", 12"). Como veremos más adelante, las medidas influyen de manera decisiva en el sonido.

Aros, tensores, bordonera y parches
Los aros que sirven para sujetar y tensar los parches también pueden ser de metal o de madera, aunque éstos últimos, por el momento, son menos utilizados. Algunas marcas, como por ejemplo Yamaha, también ofrecen la posibilidad de utilizar aros de acero o aluminio según se prefiera. Los aros influyen también en el resultado sonoro de forma sorprendente.

Los tensores poseen muy diferentes diseños según la marca de la que se trate. En cuanto a esto también existe un componente de moda muy claro aunque su finalidad principal es la servir de "hogar" a los tornillos de afinación.

Los parches son de plástico en su gran mayoría si bien el principio se usaba piel de vaca. Pueden ser de una o varias capas aunque para la caja se emplean los de una capa casi exclusivamente. No obstante, es interesante probar todo tipo de parches para comprobar como funcionan con nuestra caja y saber cual nos agrada más. También es usual que el parche sea blanco rugoso o "coated" para que responda cuando usamos escobillas. Un parche liso, normalmente transparente, no permite escuchar con el volumen adecuado el arrastre de la escobilla sobre su superficie.

La bordonera, como dijimos, es ese conjunto de tiras de alambre que recorren de lado a lado el casco y que, al estar en contacto con el parche inferior, producen el sonido característico de la caja. También existen diferentes tipos de bordoneras; con más o menos filas de alambres, más o menos cortos, etc. Existen algunos modelos que poseen varias bordoneras de forma que podamos utilizar una o varias a la vez (Dave Weckl signaturE Model de Yamaha).

En definitiva, existe una oferta casi infinita de materiales, componentes y sonoridades en cuanto a la caja se refiere.

SONIDO
El sonido es algo muy personal. Tiene que ver con nuestro gusto pero también con el estilo musical en el que estemos envueltos. Un sonido concreto se consigue con la combinación de diversos factores y no tan sólo con el tipo de material del casco. Una caja de madera puede sonar muy diferente según el tipo de parche, afinación y aros. Hasta el punto que a menudo es el tipo de construcción el que define el sonido y no tanto los materiales empleados. Hay que tener en cuenta todos estos factores a la hora de buscar "nuestro sonido perfecto".

Si la caja es de madera podemos decir, a grandes rasgos, que el arce otorga al sonido un carácter más agresivo, con más ataque y volumen que el abedul que, por el contrario, nos da un sonido más seco, redondo y controlado. También es sumamente importante el ángulo que presentan los bordes del casco donde apoyan los parches. Si el ángulo es más grande, más porción de parche estará en contacto con el borde. Esto modifica el sonido de manera muy contundente. Diferentes ángulos de corte, diferentes sonidos, así de claro. También debemos de tener en cuenta el grosor final del casco. Por supuesto, no podemos olvidar las medidas de éste. Un casco piccolo (estrecho) posee un ataque impresionante y una respuesta al golpe muy rápida. Por el contrario, un casco muy profundo da un cuerpo y unas frecuencias graves asombrosas. Las cajas soprano tienen un timbre que podríamos calificar de nasal. Suelen resultar ideales para imitar las programaciones y los loops de la música electrónica.

Los aros también juegan su papel en el sonido y no es éste el de un extra precisamente. Los aros convencionales o Power Hoop suelen dar un sonido más abierto y unos armónicos más ricos que los Die Cast. Estos últimos, por el contrario, otorgan más consistencia y focalización al sonido que se hace más seco y controlado. Los aros de madera ayudan a que el sonido tenga un buen registro grave y un matiz más cálido.

Los parches también tienen su parcela en este terreno. Lo normal es poner un parche muy fino en la parte inferior para que responda rápidamente ante la vibración del bordonero. El parche superior, sobre el que golpeamos, puede ser de muy diversos tipos. Lo normal es que sea de una capa para que los armónicos de la caja se escuchen con claridad. Los parches más gruesos disimulan estas frecuencias pero ganamos en control y cuerpo.

Lo mejor, en cualquier caso, es probar cuantas combinaciones nos sea posible hasta dar con el sonido que más se ajuste a nuestras necesidades.

CAJAS LEGENDARIAS
En este último apartado nos gustaría hablar de algunos modelos que han hecho historia en el mundo de la batería.

Ludwig Black Beauty
Esta es una caja que tiene un montón de seguidores en todo el mundo ya que es una leyenda en si misma. No en vano, la marca Ludwig ha lanzado algunas reediciones de este modelo a lo largo de su historia.
Su primer nombre fue "Deluxe" cuando la marca Ludwig la construyera allá por el 1920. Más tarde, por el año 1970, recibiría el nombre que hoy conocemos. El modelo original tenía un casco de dos piezas con una ondulación en la parte central. Los aros y tensores estaban pintados imitando el color del oro aunque en la reedición del 1930 se cambio por el cromado habitual. El casco era de latón (Brass) acabado en color negro. Poseía un sonido muy cálido.

Slingerland Radio King
Otro pedazo de historia construida allá por el año 1935. Este modelo se iba a llamar Broadcaster pero la marca Gretsch ya poseía una gama con este nombre por lo que Slingerland tuvo que buscar una alternativa que se cristalizó en el nombre que hoy conocemos. El casco es una lámina de una sola pieza de madera de arce. En la parte interior del casco lleva aros de refuerzo.
Esta es una caja que ha estado a la cabeza durante años y que han tocado los mejores. Por ejemplo, Gene Krupa poseía su propio modelo de latón en vez de madera, allá por el año 1960.
La caja Radio King cuenta con multitud de versiones a lo largo del siglo XX.

Roger Dyna-Sonic
Esta caja se diseño para Buddy Rich según sus especificaciones. Esto sucedía en 1960 cuando Buddy cambió su contrato de patrocinio con la marca Ludwig por la susodicha Rogers. La idea era crear una caja en la que el casco tuviera en sus bordes un ángulo de corte muy delgado y un sistema de bordonera especial para la época. El casco era de latón y poseía diez tensores. Había un modelo especial de madera que hoy se cotiza por las nubes.

Grestch Progressive Jazz
En esta lista no podía faltar la firma Grestch. Este modelo fue tan popular que otras marcas tan punteras como Premier fabricaron su propia versión. Las medidas originales eran 14" de diámetro por 4"de profundidad con casco de madera. Los aros eran los robustos Die Cast.

Textos: José A. Pereira

26/02/2008

El pabellón Bizkaia Arena de Baracaldo, en Bilbao, acogió recientemente la 2ª prueba puntuable para el Campeonato de Europa de Supercross, que tuvo lugar a finales de octubre con motivo de la 3ª Edición del Supercross Internacional MoviStar. En ella se dieron cita los mejores pilotos de la especialidad, que hicieron las delicias de los más de 9.000 espectadores asistentes, que además pudieron disfrutar de una magnífica exhibición Freestyle, llevada a cabo por los mejores especialistas de la modalidad más en auge del motociclismo Indoor.



Para llevar a cabo montaje, el más espectacular hasta la fecha en las instalaciones del BEC, se necesitaron cinco días de trabajo, más luego otros tres para desmontarlo todo. Una idea de la magnitud del evento la indica la cantidad de tierra utilizada para acondicionar el trazado para los enormes saltos y piruetas de los pilotos y sus máquinas: nada más y nada menos que unos 4.000 metros cúbicos, o lo que es lo mismo, unos 350 camiones de gran tonelaje. A todo ello hay que unir las impresionantes rampas metálicas en la línea de meta, el enorme despliegue de iluminación, una pantalla gigante de 30 metros cuadrados de superficie y, por supuesto, el inestimable apoyo de unos sistemas de sonido potentes y capaces como los sistemas line array Aero de D.A.S. Audio.



Los sistemas instalados por la empresa donostiarra Soinua, que dirige Jorge de la Torre, fueron los line array auto amplificados D.A.S. Aero 28A. En concreto, un total de 28 módulos CA-28A y diez sistemas de subgraves CA-215A se distribuyeron por todo el pabellón, divididos en seis formaciones lineales colgadas del techo del magnífico Bizkaia Arena. Cuatro de estas formaciones estaban compuestas por cinco módulos CA-28A colgados debajo de dos módulos de subgraves CA-215A. Las otras dos formaciones contaban con cuatro unidades CA-28A y una unidad de subgraves CA-215A. La totalidad del recinto quedó perfectamente cubierta en todas direcciones, cualidad principal de los sistemas de formaciones lineales con angulación de cajas.



Dadas las peculiares características de la “pista” donde se celebraron las competiciones y demostraciones, la utilización de sistemas line array auto amplificados proporcionó grandes ventajas, tanto en la uniformidad de cobertura del recinto como en la facilidad de instalación de los sistemas. El sistema de volado integrado en cada recinto de la serie Aero permite crear un array de forma rápida y segura. Las guías de unión necesarias para colgar los sistemas están incorporadas en la caja y se guardan dentro de la estructura del sistema de colgado cuando no se usan. El mecanismo de angulación está situado en la parte posterior y permite crear formaciones “sin huecos” en el plano frontal.



Estos sistemas contribuyeron de manera relevante al éxito del espectáculo de esta tercera edición del Supercross de Bilbao, que contó con la presencia de una treintena de pilotos de más de diez países, incluyendo alguna que otra estrella norteamericana.

21/03/2011

Anders Nystrom, también conocido como Blakkheim, cofundador de la banda de metal sueca Katatonia, es el nuevo miembro de la familia de artistas Fernandes.



Anders no es sólo el guitarrista principal, sino que también participa en la composición de las letras, los coros, los teclados, la programación de los conciertos, dirección artística y producción de la banda. Además de su trabajo en Katatonia, Anders fue también miembro del grupo de metal Bewitched de 1995 a 1997, y ha sacado cuatro álbumes para Diabolical Masquerade (1993 - 2004), un proyecto musical donde todas las letras eran escritas y tocadas por él, con una música más extrema (heavy con ritmos avant-garde y black metal melódico, con algunas influencias de death metal y thrash metal). En la actualidad, participa con Jonas Renkse en el proyecto de death metal Bloodbath.



"Junto con la distorsión y el delay, el Sustainer Fernandes es un invento brillante para el mundo de la guitarra. Ahora puedo hacer cantar, llorar o chillar a mi guitarra con mis propios dedos", afirma Anders Nyström.

A nadie se le escapa que estas son dos de las piezas más importantes de la batería. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello, cumple una función de cimentación básica en la interpretación. El pedal que utilizamos para tocar el bombo es, a su vez, sumamente importante ya que de su correcta elección y ajuste se derivará una sencilla ejecución. Muchos músicos saben que tan importante es un buen sonido de bombo como un pedal cómodo. Quizás la audiencia sólo sea consciente del sonido pero el interprete conoce la importancia de las piezas que no suenan. En este artículo vamos a comentar algunos tópicos relacionados con esta pareja que está destinada a entenderse; el bombo y el pedal de bombo.

El Bombo
Corría más o menos el año 1550 cuando los Turcos trajeron a Europa lo que hoy conocemos como bombo a través de las rutas de comerciales con Asia. Como por aquel entonces los turcos poseían un gran imperio, el bombo fue conocido y utilizado por muchas otras culturas de la época. Más tarde en América se desarrollaba toda una cultura africana proveniente de los esclavos que más tarde se fusionaría con la europea. El bombo tal como hoy lo conocemos, y la batería en general, son el fruto de la fusión de todas estas culturas.

Así como hay muchos músicos que coleccionan cajas, no es tan normal que se coleccionen bombos. Un problema de espacio debe tener parte de culpa aunque no exclusivamente. Parece que el bombo, si bien es muy importante, no define tanto el carácter del músico como la caja. Hay multitud de grandes baterías que son reconocidos inmediatamente por el sonido de su caja, pero se cuentan con los dedos de una mano los que se reconocen por el de su bombo. Con todo, su función es de suma importancia. También depende, en gran medida, del tipo de música que se interprete. Por ejemplo, el plato de ritmos (Ride) es la pieza fundamental en el Jazz por encima de la caja y el bombo.

El bombo es, como hemos dicho anteriormente, la pieza que aporta la voz más grave y poderosa al sonido general de la batería. Es por ello que los estilos de música que más uso y abuso hacen de él son, precisamente, los más fuertes como el Heavy Metal y similares. Es una cuestión de sonoridad ya que si, por ejemplo, hemos de apoyar un arreglo de metales, la caja y un splash pueden ir bien. En cambio, si lo que hemos de apoyar es un poderoso riff de guitarras bien saturadas, lo propio será hacerlo con el bombo. Ya sabemos que no existen normas pero, en general, funciona así. No obstante, la mayoría de seguidores de estos estilos deberían tener en cuenta que músicos de Jazz como Louie Bellson ya usaban doble bombo en los años 50 cuando ni siquiera existían estas nuevas y potentes corrientes musicales.

Ha habido y hay músicos con una excelente técnica de bombo como, por ejemplo, Tony Williams en el Jazz o John Bonham en el Rock. Tanto estos como muchos otros utilizaban un único bombo y conseguían muy buenos resultados con un solo pie. El doble bombo, si bien existía de antes, fue carta de presentación de baterías como Billie Cobham, Simon Phillips y un largo etcétera. El uso de uno o dos bombos es una elección muy personal ya que cada opción posee sus ventajas e inconvenientes. Hoy en día nos encontramos en un momento en que todas las técnicas y estilos se dan la mano. Nadie se asusta al escuchar a Horacio "el Negro" Hernández cuando utiliza esos poderosos arreglos de doble bombo en un contexto de Jazz-latino. Parece que actualmente impera la ley del "Todo vale" en la que el bombo y su utilización no iban a ser una excepción.

Otros músicos como Virgil Donati han popularizado, que no inventado, la técnica de golpes dobles con los pies. Con ello han conseguido tocar todo tipo de rudimentos que, en principio, parecían destinados a las manos. El momento actual lleva a pensar que es precisamente el control de los pies y pedales lo que más ha avanzado en las últimas décadas. Si echamos un vistazo atrás descubrimos que baterías como Buddy Rich ya tocaban con las manos al mismo nivel de hoy en día, sin embargo, los arreglos con el bombo parecen haber evolucionado más. Parece que la comunidad baterística ha centrado su atención en los pies desde hace algunos años.

Los bombos, al igual que el resto de las piezas, se construyen con madera. Ha habido (aún se fabrican algunas) baterías de metacrilato y fibra e incluso acero, pero son excepciones. Así como la caja la tenemos en muchos materiales distintos, el bombo es de madera en un 95% de las ocasiones. El tipo de madera puede variar. Con el arce se crean bombos de gran pegada, volumen y ataque. Con el abedul, en cambio, se consigue calidez, cuerpo y, en general, un sonido más controlado. El cerezo tiene mayor dulzura de sonido y calidez. Cada madera, en definitiva, aporta su sonoridad. Las medidas influyen mucho. Las más usuales suelen ser 20" o 22" de diámetro variando en la profundidad. Una medida que está demostrando un excelente resultado es 22" de diámetro por 18" de profundidad. No dejéis de probarlo porque es un cañón. Sin embargo, hay estilos de música que precisan otro tipo de medidas más pequeñas como 18" o incluso 16" de diámetro. Estos bombos suelen poseer mayor definición en las notas. Baterías de Rock actuales y, en su mayoría, de la década de los años 70, utilizaban bombos de gran tamaño (26" y 28") consiguiendo unos sonidos muy interesantes para el estilo musical en el que se desenvolvían.

En cuanto a los herrajes del bombo, son muchos los partidarios de que no esté taladrado y que los toms se sujeten en soportes a parte. De esta forma, el bombo no soporta el peso de los toms y esto permite que su casco vibre con mayor libertad. Actualmente, la mayoría de las marcas ofrecen esta opción cuando encargas la batería. Son diferencias pequeñas pero ayudan en el resultado final.

Los parches que se suelen usar en el bombo también dependen de los gustos personales pero parece haber una inclinación hacia los parches gruesos de dos capas. Esto sucede porque en la música Pop y Rock el bombo recibe un tratamiento distinto al resto de los toms. En dichos estilos se pretende que tenga una sonoridad muy grave y potente aunque se sacrifique la nota. En cambio, en el Jazz, el bombo es algo así como "el tom más grave" por lo que se utilizan parches y afinaciones parecidas a la de los toms. Por supuesto que esto es a grandes rasgos ya que cada músico posee su propia visión. No toméis todo esto como norma de obligado cumplimiento sino como simple referencia.

Otro factor interesante es si el bombo ha de ir "asordinado" o no y cuanto. La mayoría de los baterías suelen colocar algo dentro del bombo que funcione como apagador del sonido. A tal efecto se emplean pedazos de goma espuma, cojines o almohadones, toallas e incluso papel con unos resultados bien curiosos. La idea es conseguir el sonido deseado y cualquier material es bueno si nos ayuda a obtenerlo. Algunos baterías prefieren tensar poco los parches y dejar el bombo vacío. Con esta estrategia se consigue un sonido muy poderoso y con gran volumen. El único inconveniente, si lo es, radica en que tendremos un poco de sostenimiento de la nota al golpear. O sea, el sonido del bombo tendrá un poco de cola. Esto no es malo en absoluto pero incomoda a algunos técnicos de sonido. Si los parches se aflojan lo suficiente esta cola desaparecerá porque dejarán de vibrar. Otro inconveniente es que, con los parches tan sueltos, el sonido es bueno cuando se toca fuerte pero es peor cuando se toca suave puesto que pierde la nota. En cualquier caso, la última palabra nos la dirá el efecto que cree al usarlo en la práctica. Para la mayoría de los músicos lo más inteligente es sacar el mejor sonido con el bombo vacío y después, si es necesario, se va "rellenando" el bombo con la sordina. Es bueno empezar poniendo poco para no matar el sonido más de la cuenta. No debemos olvidar la comodidad puesto que podemos encontrar que un bombo con los parches muy sueltos tenga un buen sonido pero resulte muy difícil tocar en él. Por el contrario, un bombo con los parches tensos puede ayudar en la ejecución pero no tener el sonido deseado. El músico decidirá que prefiere comodidad y buen tacto o buen sonido. A veces coincide que tenemos el tacto preferido y el sonido deseado pero no es lo usual.

El Pedal de Bombo
Es muy importante la aparición del pedal de bombo porque marca el nacimiento de la batería. Tengamos en cuenta que, hasta ese momento, para tocar el bombo y la caja hacían falta dos personas. Al aparecer el pedal, una sola persona podía tocar la caja con las manos y el bombo con el pie y de esta manera se conformó la primera batería a finales del siglo XIX.

En el año 1909 un constructor de instrumentos llamado William F. Ludwig produjo su primer pedal de bombo operativo. Aunque existían anteriormente otros mecanismos similares para ser controlados con el pie, el pedal de Ludwig supuso una revolución ya que se podía tocar el bombo de manera rápida, precisa, con libertad y comodidad. Esto permitía concentrarse mejor en la labor de las manos sobre la caja u otros instrumentos.

Desde el año 1909 ha llovido mucho y los pedales de bombo han mejorado enormemente. De hecho los herrajes, en su conjunto, son la parte de la batería que ha mostrado una mayor evolución durante el pasado siglo. Los pedales actuales son muy suaves, precisos y duraderos. Prácticamente todas las marcas desarrollan su propia línea de investigación al respecto. Actualmente parece que la moda es conseguir el mayor grado de ajuste posible. De esta forma, encontramos pedales en los que se regula absolutamente todo. El tiempo dirá que es lo que está destinado a perdurar o a desaparecer. Un buen ejemplo fue el pedal doble que en su día supuso un invento un tanto atrevido pero que ha demostrado su valía a lo largo de los años convirtiéndose en un clásico.

Normalmente los pedales vienen muy bien ajustados de fábrica aunque, después, la tensión del muelle se regula según el gusto del intérprete. En cuanto al sonido, probablemente sea la caja la que mejor define al músico pero en lo que respecta a lo demás se lleva la palma el pedal de bombo.

También podemos encontrar mazas construidas con diferentes tipos de materiales; madera, plástico, felpa, etc. De esta forma el sonido del bombo se ve ligeramente modificado según se prefiera.

Para todos aquellos que comienzan a adentrarse en el increíble mundo de la batería es conveniente recomendarles que no gasten todo su dinero en un buen bombo y que piensen en el pedal ya que, aunque "no suena", es fundamental para aprender con corrección todas las técnicas. Los pedales de bombo, de charles y el asiento son muy importantes para tocar con comodidad. Muchos grandes baterías recomiendan comenzar con una batería de gama media o baja pero con unos buenos pedales. Por algo será.

26/02/2008

La nueva CitriQ MovilQ SR es una exclusiva estación de trabajo para audio portátil, más potente y ligera que sus antecesoras, con una pantalla de 15.4" de alta definición.



Fieles a su compromiso con los músicos, productores y técnicos de sonido, la marca CitriQ Sonomática ha lanzado un nuevo portátil especialmente pensado para ellos, que aúna potencia, estabilidad y movilidad a un precio muy competitivo.



Basado en la nueva plataforma Intel Santa Rosa, este último modelo es una workstation portátil que integra los nuevos procesadores Intel Core 2 Duo con 4 MB de caché y bus a 800 MHz, que son capaces de ejecutar de forma eficiente los más complejos algoritmos de tratamiento digital de señal (DSP), manteniendo un bajo consumo de energía que repercute en un aumento de la autonomía de hasta 120 minutos.



Integra discos duros con capacidades de hasta 200 GB, a 7200 rpm y 8 MB de caché, y permite instalar hasta 4 GB de memoria, algo que sin duda agradecerán todos aquellos usuarios que trabajen normalmente con librerías de muestras "gigantes".



La pantalla de 15,4" puede ser WXGA (1280x800), o bien, WSXGA+ (1680x1080) de alta definición, consiguiendo un considerable aumento del espacio de trabajo en el escritorio de Windows.



Otras de las características importantes con las que viene este nuevo modelo son el FireWire de Texas Instruments, cuatro puertos USB2, tarjeta nVidia GeForce 8400 con 256 MB y salida DVI-I / DV-OUT, cámara de 1,3 MB píxeles, lector de tarjetas, Gigabit Ethernet, WiFi, módem y un reducido peso de 2,7 kg (batería incluida).

21/03/2011

En el pasado NAMM, Avid presentó una serie de productos de actuación y grabación en directo para músicos independientes que quieran elevar sus creaciones de audio a otras esferas. Las nuevas herramientas —entre las que se encuentran el sintetizador analógico virtual Venom® de M-Audio®, el software para DJs Torq® 2.0, Eleven® Rack Expansion Pack y las nuevas opciones de la familia Mbox®— proporcionan workflows abiertos y flexibles para que los artistas puedan crear piezas de audio tanto en el estudio como sobre el escenario.



Venom

El sintetizador Venom de M-Audio es una propuesta agresiva en la emulación de la síntesis analógica clásica: combina el sonido y el carácter cálido de los teclados clásicos con el control intuitivo y las ventajas de workflow del procesamiento digital para brindar opciones de sonido vanguardistas a músicos de todos los niveles.



Los músicos pueden crear sonidos con sello propio utilizando 41 ondas de oscilador y 53 sonidos de batería muestreados de los mejores teclados clásicos. La función DSP emula la deriva en frecuencia de los sintetizadores analógicos y añade complejidad al sonido mediante polifonía de 12 voces con tres osciladores por voz, además de 16 caminos de modulación.



El teclado es de tamaño real, de 49 teclas y acción de sintetizador, con controles intuitivos en el panel superior.



El software editor Vyzex Venom, que viene incluido, aporta una representación visual clara de todos los parámetros y configuraciones del sinte para que los usuarios puedan ordenar los sonidos en bancos, renombrar patches, guardar copias en el ordenador y colaborar con otros usuarios. Además, la interfaz USB de audio/MIDI integrada nos da la posibilidad de grabar audio desde instrumentos, micrófonos u otras fuentes de sonido, o de procesar audio externo utilizando los efectos y filtros de Venom.



Venom está disponible desde el pasado enero, y es compatible con Pro Tools®, Pro Tools M-Powered™, Pro Tools SE y DAW de otras marcas como Ableton Live, Propellerhead Reason, Apple Logic y GarageBand.



Torq 2.0

Es una solución de alto rendimiento que incluye flexibles opciones de workflow para actuaciones de DJ y remezcla y producción en tiempo real. Cuenta con cuatro platos virtuales con EQ, control de nivel, preescucha para auriculares y fundido cruzado, para reproducir cuatro pistas al mismo tiempo. Su tecnología Traq Morph™, pendiente de patente, permite mezclar pistas de música aplicando inteligentemente efectos de audio durante el crossfade.



Los DJ pueden usar el software con Xponent® y Conectiv® de M-Audio y hardware de otras marcas, o de manera independiente sin ningún hardware adicional, y tienen la posibilidad de elegir entre miles y miles de canciones —incluidas las librerías de Apple iTunes Store— para crear rápidamente mezclas únicas. También se puede lograr un sonido con hasta cuatro efectos integrados simultáneos y un efecto VST por plato, para obtener hasta 20 efectos a la vez.



Torq 2.0 estará disponible en todo el mundo a través de descarga digital el 8 de febrero de 2011. Mientras tanto, la versión de prueba gratuita se puede descargar desde www.avid.com/es/torq2trial.



Eleven Rack Expansion Pack

Es un complemento de software para el galardonado amplificador de guitarra y procesador de efectos Eleven Rack. En él, la paleta de sonidos se multiplica con 19 emulaciones de efectos de amplificadores de guitarra, e incluye una simulación de un altavoz de bajo que evoca los sonidos de bajos legendarios.



Sus efectos de EQ paramétrico y de compresor de estudio sobre bandas de canal permiten capturar fácilmente actuaciones vocales e instrumentales utilizando procesamiento de la señal por bandas de canal.



Dispone de retardo dinámico estéreo para crear efectos personalizados y ampliar las capacidades de la guitarra con control completo de ducking, panning y filtros en la realimentación del retardo.



El Eleven Rack Expansion Pack estará disponible el 22 de marzo de 2011 a través de la tienda Avid online.