El ingeniero, productor y compositor Reto Peter nos habla del éxito de su carrera profesional

 “Colaborar con gente que tiene puntos fuertes o habilidades distintas a los tuyas es tan importante como elegir un buen equipo a la hora de producir música a nivel profesional”. El experto en grabación de Renaissance, Reto Peter, es productor musical, ingeniero de sonido, compositor, multiinstrumentista, profesor y miembro votante de la Recording Academy.

Peter trabajado con casi todo tipo de géneros musicales, desde artistas independientes de Suiza, su país natal, hasta con el hip-hop más innovador de Flipsyde, en su ciudad adoptiva, Oakland.

Esta última ciudad también fue hogar de la banda Green Day, con la que Reto ganó un premio TEC por su trabajo en American Idiot, álbum que ganó un Grammy. También posee una colección de "grandes éxitos" de micrófonos de estudio. Los últimos son cuatro condensadores de diafragma grande de Audix, un par de micrófonos para voz A231 y un par de SCX25A. Ha dedicado gran parte de su tiempo a compartir los aspectos más destacados de su carrera, técnicas de grabación y su experiencia con los micrófonos Audix.

¿Cómo fue tu comienzo en el mundo de la producción musical?
Al principio, comencé tocando en bandas cuando tenía quince años, y ya tocaba la batería desde los ocho. En algún momento tuve en mis manos un reproductor de 8 pistas y comencé a grabar a las bandas de mis amigos a principios de la década de 1990.

¿Esto te condujo a estudiarlo de forma profesional?
Sí, la verdad. A los 18 años supe que quería dedicarme a la ingeniería de sonido. En ese momento no había muchas escuelas en Europa. Visité la SAE en Berlín, pero, para mi gusto, enfatizaba demasiado lo técnico sobre lo musical. Terminé siendo aceptado en Berklee en Boston, donde había estudiado mi instructor de la escuela secundaria. Así es como viví por primera vez en los EE. UU. Por la noche, los estudiantes podíamos utilizar los estudios para nuestros propios proyectos. Realmente vivía allí. Tenía clases durante el día y hacía sesiones toda la noche. ¡No dormía mucho! Estaba muy emocionado por tener la oportunidad de tocar y grabar con diferentes personas. Estuve expuesto a múltiples estilos de música y culturas que realmente desconocía cuando vivía en Suiza.

 
¿Podrías recordar un momento determinante en tu carrera después de graduarte en la escuela?
En 1997 me mudé a Nueva York. Encontré unas prácticas laborales en el icónico estudio de grabación The Magic Shop en SoHo. Tenían una consola Neve de la serie 80 y una atmósfera increíble. Muchas bandas indie muy conocidas pasaron por allí, con sus propios productores e ingenieros, y yo pude ayudar y aprender sobre cómo hacer un disco: la jerarquía en el estudio, cuándo hablar y cuándo no. Son cosas que no se aprenden en la escuela. El dueño, Steve Rosenthal, también era dueño de un club llamado The Living Room en el Lower East Side. Era el núcleo de la escena de cantautores, donde surgieron artistas como Norah Jones. Yo era el técnico de sonido allí cinco noches a la semana, así que aprendí la infinidad de cosas del directo.

¿Qué te trajo a la Costa Oeste?
Mi esposa, a quien conocí en Boston, quería regresar a Oakland para estar más cerca de sus padres según se iban haciendo mayores. Entonces, comencé de nuevo. Durante un tiempo, trabajé para la startup Savage Beast. Fue el precursor de Pandora y yo era el analista musical que ayudaba a construir su base de datos y los algoritmos que te recomiendan música. Poco después encontré un trabajo en Studio 880 de John Lucasey, inicialmente como gerente de oficina. Cuando Green Day pasó más de un año componiendo American Idiot, empecé a compartir tareas de ingeniería con Chris Dugan, el ingeniero de sonido de la banda.

Hay una historia sobre cómo esto te llevó a algunos de tus primeros éxitos de forma independiente, como producir para Flipsyde...
Sí. Empecé a trabajar con el baterista Michael Urbano. Había tocado en sesiones con Sheryl Crow, Cracker, Todd Rundgren. Él quería formar una compañía de producción para artistas del Área de la Bahía y comenzamos a hacer ritmos de percusión en su estudio de garaje en Berkeley. Así conocimos a Flipsyde. Como hubo ciertos solapes con las sesiones de Green Day, pude mostrar una demo a Rob Cavallo, quien era el jefe de A&R de Reprise en ese momento. Quería firmar con Flipsyde. Luego Interscope se enteró y también los quería. Eventualmente firmaron con Interscope e hicimos todo su primer álbum en ese pequeño garaje de Michael.

Además de productor e ingeniero, también eres compositor. Cuéntanos por qué usas ese sombrero.
Alrededor de 2009, formé equipo con Dan Travanti, que había tocado en la banda de punk de Seattle The Briefs. Cuando comenzamos a escribir música, tuvimos un montón de agentes que presentaron nuestro catálogo a productores de televisión y similares. Hicimos eso durante casi diez años, y creo que debido a que ambos éramos músicos y yo tenía habilidades de ingeniería, podíamos producir cualquier cosa, en cualquier estilo, con bastante rapidez. ¿Cómo puedo describir esto mejor?

El A231 captura una gran cantidad de sonido sin procesar para trabajar, por lo que puedo decidir más sobre la mezcla de las pistas después de grabar. Y siempre de forma agradable. Si añado más agudos, no suena estridente. Solo es más de lo que quiero escuchar.

Tu estudio ahora está en tu casa. ¿Por qué tomaste esa decisión en lugar de trabajar en estudios comerciales?
Sí, es la antigua sala familiar del piso de abajo. Tiene casi 50 metros cuadrados. He estado en un montón de estudios, pero la pandemia eliminó más o menos la necesidad de una gran sala para grabar instrumentos en vivo. Tengo una batería microfoneada de forma permanente, una pequeña cabina vocal y algunas cabezas de guitarra siempre listas para funcionar. Mi filosofía es que cada vez que yo, o alguien más, tenga una idea, deberíamos poder presionar "Grabar" y continuar, sin perder tiempo o inspiración por problemas de configuración.

¿Por qué has escogido los micrófonos Audix para tu flujo de trabajo?
Me gusta grabar con micrófonos de diafragma grande, en general, porque siento que me ofrecen más con lo que trabajar en el proceso de mezcla. Recientemente he usado el A231 en tres proyectos, todos con voces principales masculinas. Uno de los proyectos, era de una banda de punk suiza que vino a Oakland, que tenía voces de grupo. Me gustó mucho su sonido con las tres bandas. Este micrófono tiene fondo. Hay un efecto de proximidad como con cualquier patrón cardioide, pero este puede ser genial para los vocalistas que se alejan del micrófono. En ese sentido y con su calidez general, me recuerda a un U87 antiguo, solo que con más brillo en los agudos, donde el sonido en este micro antiguo puede oscurecerse.

¿Qué instrumento encuentras más desafiante para grabar y cómo lo abordas?
Las guitarras acústicas, sin duda. Pueden volverse irregulares en los medios graves y no querrás que contrarresten la definición de los agudos. Una vez estaba grabando Counting Crows y el productor Brian Deck quería grabar la guitarra sin ningún ecualizador en el camino, y obtener el tono adecuado ubicando adecuadamente el micrófono. Acabé poniendo un condensador de diafragma pequeño alrededor del traste 17 o 18 y, también, a menudo, grabo guitarra acústica en mono. Recientemente, en la sesión de otro proyecto que era principalmente guitarra acústica, usé los SCX25A como un par estéreo espaciado. Me ofrecieron un sonido muy bonito y redondo de la guitarra.

¿Alguno de los micrófonos de Audix te ha sorprendido especialmente?
Realmente me gusta el SCX25A para toms. No estoy hablando de los costes, aunque también me gusta por eso, pero me refiero a su capacidad para grabar de cerca. Colocando unos pads para evitar sobrecargas, son perfectas. Tienen el cuerpo, pero también el golpe que quiero escuchar. Soy un gran fanático de grabar a corta distancia, por lo que espero usar mucho más el 25As en este formato.

Otro concierto donde los micrófonos de Audix funcionaron bien, fue en una obra de radio antigua realizada por estudiantes de secundaria en San Francisco. Leían el texto y usaban objetos para crear efectos de sonido. También, todos usaban mascarillas debido a Covid. Colgué los A231 en sus atriles, ligeramente altos para que los actores pudieran leer sus guiones. Los SCX25A se conectaron las dos estaciones de efectos de sonido y la superficie de la cabina hizo que fueran fáciles de ubicar.

¿Quedaste satisfecho con los resultados?
¡Bastante! Obtuve todos los graves y medios graves que necesitaba, especialmente de las actrices. Creo que esto se debe a que el efecto de proximidad del A231 comienza un poco más lejos del micrófono y eso fue algo bueno en este caso. En los agudos, solo tuve que aumentar un poco alrededor de 8kHz para compensar las mascarillas. Al escuchar el producto final, no se notaba que las estaban usando. Para los efectos de sonido que incluyeron, como cubiertos, ruidos de papel y una vieja máquina de escribir, no necesité ecualizar nada. Los SCX25A sonaron perfectos desde el primer momento.

"Estoy muy contento con la experiencia profesional que ofrece Audix. Si alguien necesita un gran micrófono vocal, creo que el A231 es una buena opción. Y el rendimiento y el valor del SCX25A son sobresalientes”.

 
¿Cuál es tu cadena de señal en el estudio? 
Bueno, primero tengo que describir mi enfoque para comprar equipo. Prefiero tener solo unas pocas piezas "atemporales" que estar actualizando todo el tiempo, por lo que generalmente compro una o dos cosas realmente buenas, si me sobra dinero al final del año. Durante más o menos 20 años, esto ha creado hasta 24 entradas de preamplificadores de micrófono de válvula y clase A de Neve, API y Helios, así como compresores como un LA-2A, un 1176, un par de Distressors y un Manley Vari Mu.

 ¿Tiene algún consejo para las personas que están considerando estudiar sobre grabación o producción musical? ¿O tal vez para ti mismo cuando estabas en esa etapa?

1. Tener una buena formación de calidad es muy importante. Es importante aprender a hacer tu trabajo y tener buenos resultados. Ese camino traerá muchas cosas buenas. Cuando yo hice mis prácticas en The Magic Shop ya sabía cómo configurar una sesión y cómo alinear una máquina de cinta si era necesario. Eso marcó la diferencia. 

2. La conexión humana y las colaboraciones son tan importantes como la destreza. Doy clases a tiempo parcial en una pequeña escuela de música en Berkeley y muchos de mis alumnos están haciendo un muy buen trabajo desde sus ordenadores en casa, pero no se juntan lo suficiente. No están tocando juntos lo suficiente, y es ahí donde comienza una red profesional. Los equipos creativos que ves haciendo los conciertos de tus sueños y ganando premios, crecieron juntos y/o fueron juntos a la escuela de música.

3. Ahora es más difícil que nunca encontrar un estudio donde puedas hacer unas prácticas y encontrar oportunidades porque, a diferencia de la década de 1990 cuando me gradué, ya no quedan muchos. Empatizo con eso. Esto hace que precisamente sea aún más importante colaborar con personas que tienen puntos fuertes o habilidades diferentes a las tuyas. Es tan importante como elegir un buen equipo a la hora de producir música a nivel profesional.