Estamos viviendo una época en la que el mestizaje de culturas y de pueblos se ha convertido en algo normal. En las ciudades modernas cohabitan razas diferentes y viajar en el metro de Madrid, por ejemplo, no es tan distinto al de cualquier otro metro de ciudades como Nueva York o Paris, en donde se puede ver gente de casi todos los sitios del planeta.


La fusión de las culturas tiene algo que ver con la fusión de sus músicas, de hecho, es prácticamente el mismo espíritu. Hay pueblos que son muy cerrados y que tienen dificultades para integrarse en las sociedades occidentales y es debido fundamentalmente a que tienen sus tradiciones fuertemente arraigadas. Para lograr fusionar algo es necesario tener inquietudes y conocer lo opuesto a nosotros con el mismo entusiasmo con el que aprendemos lo propio. A veces el tener una mente cerrada y pensar que lo de cada uno es lo único y lo mejor, nos resta toda posibilidad de conocer cosas nuevas y así poder añadirlas a lo que ya tenemos.

La música es un reflejo de la cultura de los pueblos. Al igual que viajar abre las mentes, escuchar músicas de otros pueblos nos hace entender algo que es universal y que a su vez es la base para fusionar: todos sentimos lo mismo aunque lo expresemos de diferente manera. El ritmo, que es el latido de la música, tiene esa idiosincrasia y, si lo entiendes así, podrás comprobar que en todo el planeta se trabajan las mismas bases . En mis clinics hablo de ello como algo necesario para poder enriquecerte de todos los lados. Los ritmos se construyen como cuando se construye una casa; primero los cimientos, luego las paredes y por ultimo los detalles que la hacen confortable y personal.

¿Cuáles son los cimientos del ritmo?
Alguna vez he contado que de mi etapa en las orquestas y gracias a mi inquietud por descubrir los fundamentos del ritmo, pude entender algo que fue vital para avanzar en mi trayectoria como profesional. En las orquestas tocaba todos los estilos varias veces en una misma noche y, aprovechando esa circunstancia, trabajé los ritmos salseros, de rock, de pop, brasileños, etc. desde lo que yo intuía que era lo más básico, hasta el sitio que todos ellos tenían en común: las claves.

Las claves son los patrones mas básicos del arreglo. Encima de ellos y con ellos, se construye el arreglo rítmico de la música caribeña, de la cubana, de la africana, del flamenco, de la música árabe, de la música brasileña, etc., etc... Nadie olvida la clave cuando se hace ritmo y nadie admite la posibilidad de tocar sin conocer la clave. Ahora tenemos mucha información sobre los ritmos de salsa, de Brasil o de cualquier otra cultura y podemos ver a baterías que han desarrollado la habilidad de tocar la clave con sus pies mientras el resto de los miembros hacen otras combinaciones rítmicas. Creo que no es necesario explicaros como es la clave 3-2 o la clave de Guaguanco o la del 6/8 afro-cubano, pero si os diré lo que hice con ellas cuando tocaba en las orquestas. Entonces no tenía tanta información como ahora, así que utilice las claves como patrones básicos de pop o de rock. Las cajas las ponía en el 2º y 4º tiempo para luego moverlas y el bombo en el resto de las notas, siempre basándome en el patrón de la misma clave. De esa manera obtenía unos ritmos muy simples y contundentes que poco a poco rellenaba con rudimentos y de esa manera podía tocar rumba, samba o rock´n roll de una forma similar. A simple vista parece algo muy tonto, pero así conseguí tocar “el porompompero” como tocaba rumba Steve Gadd con Chick Corea o Acuña con Zawinul y, lo más importante, la gente seguía bailando de igual manera y sin importarles mi formato. Todo parecía encajar y a mí me daba la posibilidad y la libertad de experimentar sin ningún miedo. Durante un par de años estuve investigando esta cuestión con la intención de hacerme un lenguaje sencillo y que me permitiera moverme en cualquier estilo, incluso, sin ser un especialista. El conocer la clave y asimilarla como el patrón de partida, hizo que escuchara la música y pudiera fortalecerme desde dentro hacia fuera. Eso supuso apreciar y nutrirme de todo lo que oía. Si logras entender lo que ocurre rítmicamente, cuando toques lo utilizarás espontáneamente.

La esencia de la fusión la entiendo así; si eres capaz de llegar al fondo de las cosas, y en este caso al fondo del ritmo, verás los lugares comunes de todas las músicas y el mestizaje. La mezcla de todas, no supondrá ningún esfuerzo, todo lo contrario, un placer. Puedes estar tocando la música que sea y hermanarla con influencias de otra completamente opuesta y sin embargo encajar con total normalidad. A un “heavy” no le puedes hablar de “merengue”, le parecerá vomitivo, pero el ritmo no tiene forma y si un músico de rock se atreve a escuchar con una mente abierta lo más opuesto a sus gustos musicales, seguramente ampliará sus recursos y no por ello dejará de ser duro, al contrario, incluso podrá sonar más original.


Cuando llegué a Madrid empecé a poner en práctica todo lo que había aprendido en las orquestas. Toqué con músicos de jazz y algunas bandas de pop como Esclarecidos, Los Coyotes, que fusionaban el rock y la salsa, y un par de giras con La orquesta Mondragón. Sin embargo no había tenido la oportunidad de conocer y tocar con músicos de flamenco. El flamenco me imponía mucho respeto, no acababa de entenderlo y asimilarlo. En el flamenco puro no se usaba la batería y me era difícil concretar sus ritmos de la manera que lo había hecho en otros estilos. Me presentaron al “Paquete” y al “Negri” y empecé a tocar con La Barbería del sur, que fusionaban el flamenco con el reggae o el rock. Fue mi primera incursión en este mundo y me ayudó a perder el excesivo respeto que me daba el flamenco y me relajé. Cuando me contrataron los de Ketama ya entendía sus “compases” y vi que los “tangos”, “bulerías” y “tanguillos” no eran tan distintos a las “rumbas”, “sambas en tres” o los “6/8 afro cubanos”. Grabamos “D aki a Ketama” y utilicé los mismos patrones que cuando tocaba las rumbas de Peret o de Manolo Escobar. Nunca se lo he dicho a ellos, pero es cierto, rítmicamente era lo mismo. Evidentemente lo de fuera no. De esa manera cada música parece distinta al escucharla, aunque, rítmicamente, la estructura siga siendo la misma, la tuya, la que te hace sentir cómodo y por la que los demás te reconocen. Cuando toqué con la Niña Pastori conseguí llegar más lejos con las bulerías y los tanguillos y lo tocaba con muchas mas referencias de otras músicas. Los tanguillos, por ejemplo, suenan igual que algunos ritmos de Argentina, Perú o incluso de Jazz- suffle. “Todo lo que huela a tresillos entra bien con los Tanguillos” (lo siento pero me salió un pareado).

Pasaron muchas giras y fui aumentando mis recursos con esa filosofía, sin variar mi sistema; desde el fondo pero redecorándolo con pequeños detalles de aquí y de allá. Todas las experiencias te aportan algo nuevo que no sabías y que te permite dar un paso hacia adelante. No creo que el tener prisa por conseguir todo lo que anhelas, sea bueno. Las cosas vividas te dejan marca y en la música es mejor tocarlas y saborearlas y dejar que todo crezca poco a poco.

Me considero un músico de fusión porque he aprendido de todas partes, escuchando y tocando de todo. No tengo raíces como otros músico cubanos, indios o flamencos. He tenido que avanzar desde la práctica y mezclando pinceladas de toda la música que escuché y que me dejó su marca. Desde los 70 he comprobado que los estilos se pueden unir para dar nuevas direcciones y no por ello se pierde algo puro, al contrario, es necesario para poder avanzar. Luego aparecen los nombres; Jazz-rock, Funk-Jazz, Pop- Country, Acid-Jazz, House, Punk, Punk-Rock, Latin, Latin-jazz.. etc. Todos dan algo y también sus mezclas y, a su vez, las mezclas de las mezclas. Son los músicos los que van haciendo sobre la marcha esas combinaciones.

A estas alturas está todo inventado y lo único que nos queda para poder crear es esa mixturanza, hacer cóckteles con fórmulas que nosotros hagamos espontáneamente, sacando ideas de nuestro propio bagaje de conocimientos.

Estos últimos años ha aparecido una corriente retro no solo en estilos sino también en sonido e incluso en los instrumentos. Hay una gran pasión por baterías vintage, por el sonido vintage y por el look vintage en general. Muchos son los músicos jóvenes que están recuperando aquellas formas. Por lo general pertenecen a generaciones que no han vivido las épocas que adoran. También las compañías editan productos que rememoran la música de los 50 o 60, con cantantes que recuerdan a Frank Sinatra o a leyendas del jazz. A mí me gusta y me parece hasta interesante comprobar que la música de calidad pueda venderse y que la gente recupere el gusto por escucharla. Todo es positivo, porque creo que, aunque aquello ya se hizo, después de estas etapas de “recuperación” saldrá algo nuevo. Recuerdo la época de los 70 y su sonido, y no es tan distinta de la de ahora, si vamos al fondo del asunto. Los sonidos no son el alma de la música, ni los cimientos. Creo que es bueno tocar cualquier estilo sin pensar que es la moda, que estás a la última.

La música no tiene tiempo, la que sale de dentro, es la que está a la última de verdad. Hay muchos grupos que suenan muy parecido a los grupos de antes, pero eso no es difícil. Tampoco es difícil imitar a un grupo de ahora. Lo realmente dificil es lanzarse sin tener en mente un patrón, sin pretender ser nada, sólo lo que salga. Siempre se notaran las influencias, pero lanzarse os dará por un momento la sensación de que lo que toquéis es genuino, aunque siempre habrán parecidos. Tratad de ser honestos y a la hora de fusionar olvidaros de las reglas y disfrutad, seguro que os sorprenderéis.

Fusion-a-dos, es el título de este artículo y vosotros os preguntaréis ¿por qué a dos y no a tres?. Bueno, no importa demasiado el número. Lo titulé así porque vivimos en un planeta en donde la base de la vida es el agua. El agua, H2O, es el resultado de la fusión de dos átomos, dos de Hidrógeno y uno de Oxígeno. Como podéis ver, ha dado para mucho esa unión. Por lo tanto, y partiendo de la idea de que la naturaleza es sabia, estoy seguro de que el camino para avanzar es la fusión, no os quepa la menor duda. En la tierra la diferencia es evidente, no somos todos iguales, lo cual es un alivio, si no, esto sería un aburrimiento. Las razas, aunque Hitler pensara lo contrario, mejoran con la mezcla y en la música ocurre exactamente lo mismo.

La mayoría de los pueblos se sienten diferentes y basan sus luchas en querer someter al que no es igual a ellos o, simplemente, no compartir las mismas ideas. Esta gente no está preparada para la fusión de nada, es la gente que impide que el mundo avance. Por desgracia el mundo, que parece que camina hacia una globalización, en realidad solo lo hace en el sentido de una globalización económica, no social. La economía no lo es todo, al contrario, si no va acompañada de un acercamiento y de una unión de los pueblos y sus culturas no sirve de nada, es decir, sirve para hacer mucho más ricos a unos pocos y muchísimo más pobres al resto. Esto supone marcar más las diferencias y alejarnos, si cabe, kilómetros del concepto que os estoy contando. Aunque sean asuntos sociales y económicos, tienen su reflejo en la música y, por lo tanto, en lo que hablamos en este artículo. Fusionar es unirse, lo que esta ocurriendo es lo contrario.

Si lo entendéis de esta manera, como yo lo entiendo, aplicadlo en la música y escuchad cualquier estilo sin ningún miedo a perder vuestra identidad. Lo que verdaderamente nos marca es sentir lo que hacemos con total libertad. Si os encerráis en esquemas , modas o ideales os convertiréis en auténticos esclavos.

Muchos de estos pensamientos y otros, combinados con anécdotas y recuerdos, los podréis leer en mi libro “Historias de un Batería”. Si os interesa adquirirlo pronto pondré en mi página web la manera de hacerlo.

Un saludo.
Pedro Barceló

Según investigaciones recientes, se plantea la posibilidad de que el continente “Americano” haya sido visitado por diferentes culturas antes que los españoles. Pero no fue hasta entonces con la colonización, cuando ocurre un proceso de sincretismo cultural muy significativo, como resultado del fenómeno de poblamiento necesario para el desarrollo político, económico y social del llamado “Nuevo Mundo”. A partir de este choque de culturas y con la rápida inclusión después de España, de los ingleses, franceses, portugueses y holandeses, se fraguan naciones que aportarán posteriormente al resto del mundo la nueva herencia cultural cargada de un híbrido de razas, religiones, idiomas, nuevas tendencias, y diferentes géneros musicales.
La música cubana está cimentada fundamentalmente sobre dos raíces, las cuales pueden ser distinguidas fácilmente como: las procedentes de derivaciones de manifestaciones musicales de origen hispánico como la guitarra, el laúd, los cantos populares, la copla, etc; y raíces de determinadas zonas de la geografía africana proporcionando además de los dialectos, una gran variedad de instrumentos de percusión, toques, cantos y bailes.

Como resultado de este desarrollo sociocultural en Cuba y manteniendo estas dos raíces fundamentales, surgen y se desarrollan nuevas manifestaciones musicales y de la danza denominadas también folklore rural, urbano, y afrocubano. Como por ejemplo, la música yoruba, música bamtú, música abakuá, música guajira, la rumba, el son y sus derivados.

Estimado lectores, basándome en esta larga evolución, les muestro algunos patrones “latinos” básicos y variaciones para la batería, así como la manera en que se puede utilizar dentro de un patrón la clave de (2 +3) ó (3 + 2). Además de como entender la sincopa, la similitud de claves entre diferentes géneros, y por otro lado patrones afrocubanos que en su formato original son ejecutados en conjunto con instrumentos típicos, adaptados a la batería.

El Son dentro de la música cubana, es un género en el que predomina la alternancia de copla y estribillo, en el cual se toca se baila y se canta, abordando temas basados en la vida cotidiana. La sonoridad resultante es característica de los instrumentos de cuerdas pulsadas, elemento típico de las raíces hispánicas. Aquí la guitarra se modifica por el tres, instrumento novedoso que divide las seis cuerdas en tres pares de dos. La sección grave en sus principios estaba a cargo de la marímbula, una especie de cajón de madera con unas lengüetas metálicas que al pulsarlas daban sensación de bajo. El bongó, se llevará la parte rítmica y los detalles continuos llenos de sincopa y repiqueteos. El bongosero apoya los tiempos fuertes con el cencerro en el estribillo. El son fue evolucionando y ramificándose con la inminente llegada de nuevas armonías e instrumentos de cámara europeos y del Jazz de Norteamérica. Así nace el danzón, el bolero, el cha-cha-cha, el mambo, el feeling, el songo, el pacá, el Mozambique, etc.

Estos son algunos de los patrones de ritmos cubanos y afro para la batería.

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Songo
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Pilón
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Cha Cha Cha
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Ñongo
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Bembé
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Conga

La música Guajira parte de la sonoridad característica de los instrumentos de cuerdas pulsadas, evoluciona junto con las viejas maneras mediterráneas de cantar del coplero, quien utiliza un verso rimado influenciado a su vez por la huella árabe en España.

Debido a los asentamientos cada vez más crecientes de población española en los campos de Cuba, esta manifestación musical va tomando un carácter rural convirtiéndose en la música de las fiestas familiares y celebraciones del sector campesino.

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Clave de Guajira y Solea por Bulerías
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Clave Afro y Patron de Tanguillo

Según mi experiencia, uno de los factores que facilita mi trabajo dentro del flamenco y los palos andaluces, es tomar como referencia en el folklore cubano buscando similitudes posibles. Por ejemplo hay puntos comunes entre el compás y la clave de la guajira, con el sentido de la clave de la Solea por Bulerías, así mismo existen otras analogías entre los tanguillos y la clave afrocubana.

La Rumba es una música con carácter profano que surge y se desarrolla en un plano urbano o suburbano, producida para el disfrute del cante, toque y baile. Presenta elementos africanos como la alternancia solista - coro, o los temas de las letras, que pueden invocar pasajes de la tradición africana, otros con carácter cotidianos e improvisados. Se le denomina Complejo de la Rumba porque consta de tres modalidades o velocidades: Yambú (tiempo lento y cadencioso para que bailen los más ancianos), Guaguancó (tiempo medio para los danzantes jóvenes), y Columbia (Tiempo rápido para los bailarines virtuosos). Su formato instrumental más usado consta de tres tumbadoras (conga, tumbadora y quinto), katá, chekere y clave. Se pueden añadir otros instrumentos según la ocasión.

Para los bateristas la práctica sistemática de la lectura se está haciendo cada vez más imprescindible, debido al incontrolable desarrollo del nivel técnico musical que se respira en nuestro ambiente. El músico que domina la lectura es más eficiente, posee todas las herramientas necesarias para su decir, pudiendo reaccionar con mayor fluidez ante una partitura sin perder el instinto animal de la creatividad, relación ésta, (por ejemplo) que se agradece a la hora de escuchar sus interpretaciones en directo o su obra grabada.

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Guaguancó
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Columbia
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Patrón de batería con Clave (2+3)
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Patrones de batería con clave (2+3)
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Patrones de batería con clave (2+3)

Una de las formas más correctas para entender las sincopas de la música cubana, es utilizar como metrónomo las claves anteriormente mencionadas. Si dispones de caja de ritmo graba las líneas superiores de los siguientes ejercicios y si no, reprodúcelos tal y como aparecen escritos. Después de dominarlos prueba alternando manos con pies o sólo pies.
Espero muy gustoso, estimado lector, que para un entonces no lejano me toque leer en esta revista algunas de tus propias conclusiones. Mucha suerte y a trabajar.

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Ejercicio de Independencia con clave de Son ( 3 + 2)
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Ejercicio de independencia con clave de Rumba. (2 + 3)
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Pincha aquí para descargar los archivos MUS de ejemplo
Link a la versión gratuita del programa FINALE: www.finalemusic.com/notepad

Chema Vilchez

Apple, la conocida marca de computadoras, software y el últimamente famoso iPod, decidió hace algún tiempo entrar de lleno en el mundo de la creación musical a través de un software propio, para ello creó un programa denominado GarageBand y compró la empresa alemana Emagic, autora del tan usado Logic. Apple, con sus ordenadores Macintosh llevaba muchos años siendo la plataforma de hardware elegida por un gran número de profesionales en la industria musical. Estudios de grabación, productores y músicos de todo el mundo hemos confiado en la calidad y la estabilidad de estos ordenadores.

Realmente, la incorporación manifiesta de Apple en la música ha tenido lugar por la puerta grande, ya que adquiriendo Logic, un software con anterioridad muy desarrollado, ha logrado en tiempo record miles de nuevos clientes, muchos de ellos pendientes de las nuevas actualizaciones y mejoras. Pues en Logic Pro 7, última versión, fruto ya de la “manzana”, nos encontramos con evidentes progresos con respecto a las versiones posteriores.
De entrada, la interfaz gráfica ha cambiado bastante incorporando parte de la estética de los demás softwares de Apple y, ofreciendo, un destacable toque de sencillez y simplicidad en relación a lo que Emagic nos venía ofreciendo en versiones previas. Bajo las primeras impresiones cabe resaltar que poco a poco se va acercando a la facilidad e “intuitividad” en el manejo que tienen otros programas, como Cubase SX3 o Nuendo 3. Asimismo, tiene una cantidad tal de herramientas, efectos y sintetizadores virtuales, que hace realmente imposible resumir en estas breves páginas todas las posibilidades. Sin duda esta última versión es un paso de gigante con respecto a las posteriores. Lo que a mi modo de ver constituye una de las grandes aportaciones de esta actualización, es la implementación de un soporte gráfico para loops. Para los nuevos usuarios de Logic y de los sistemas de software en general va a resultar ser una herramienta tan útil como accesible.

A continuación trataré de describir algunas de las particularidades más características.

Instrumentos Virtuales
Me ha llamado la atención un par de cosas, la calidad de estos instrumentos y la decisión por parte de la compañía de incluir con el programa una gran cantidad de recursos, posiblemente suficientes para no necesitar terceras partes a la hora de realizar una producción musical.

Así pues nos encontramos por un lado con el ya conocido sampler de Logic EXS24, que tiene notables mejoras, entre otras, el arrastre de audio y zonas de edición de forma gráfica y la posibilidad de leer múltiple formatos: Akai, GigaSampler, SampleCell II, SoundFont2, REX2 y por supuesto su propio formato EXS24 con una resolución de audio de 24-bit/192kHz. Pero además tenemos el órgano Hammond B3, el Hohner D6, el sintetizador Sculpture o la caja de ritmos virtual UltraBeat.

Sculpture
El sintetizador Sculpture, está basado en un nuevo sistema de modelado que proporciona una multitud de sonidos. Después de una hora probando creo que apenas he visto una ínfima porción de sus posibilidades. La calidad de este sinte, tal y como reza en el manual pdf, se debe a que Sculpture utiliza algoritmos que simulan las características de comportamiento de una cuerda y nos permite la manipulación y el diseño del sonido a través de sus parámetros fundamentales, el material; nylon, metal, madera, o determinar como se activa la vibración. El sonido resulta finalmente orgánico y muy expresivo. Bajo mi punto de vista, uno de los mejores que haya escuchado en un sintetizador ya sea en formato hardware o software. Por otra parte tenemos una serie de sintetizadores denominados EFM1, ESM, ESE, y ESP. Por las pruebas que estoy realizando son muy fáciles de manejar y los parámetros se presentan de manera evidente. En mi caso, que soy un enamorado de los Fender Rhodes, me encuentro con el plug-in , EVP88 Fender Rhodes-Wurlitzer-Hohner. Un sonido ya clásico a la vez que legendario. El EVP88 es realmente preciso y se me hace una réplica excelente al instrumento auténtico. Podemos variar el sonido a nuestro gusto y los presets que trae, Mark IV, Stage Piano, y el Wurlitzer, por mencionar algunos son de entrada perfectos.

Ultrabeat
Ultrabeat es una caja de ritmos virtual, un sintetizador de percusión con diferentes tipos de síntesis, y que contiene hasta 24 voces. Cada sonido se puede modificar individualmente. Incluye sonidos FM, analógicos, o podemos reproducir nuestros propios samples. También podemos crear fácilmente loops por medio de un secuenciador integrado, y la verdad es que, probando rápida y aleatoriamente diferentes opciones surgen unos ritmos interesantes y con una calidad de audio extrema. Puedo imaginarme que para los amantes de la música electrónica y del Chill Out este plug-in va a ser una herramienta especialmente útil.

Efectos
En cuanto a los efectos hay una gran cantidad de ellos, delays, compresiones, reverbs, filtros, modulaciones y distorsiones. Muchos de ellos ya venían en las versiones anteriores y creo que no hay nada especial a reseñar. Si me parece especialmente destacable el Space Designer. Este efecto es una reverb de altísima calidad. Tiene por una parte simulaciones de espacios acústicos como teatros catedrales, salas de conciertos, túneles o cuartos de baño, y por otra parte, unidades de reverbs y efectos especiales algo exóticos. Algunos de los presets ya vienen predeterminados para diferentes instrumentos en específico, guitarras, pianos, baterías, voces, cuerdas, etc. Space Designer contiene una librería de más de 1000 opciones, así que yo he probado unas 30 con las guitarras acústica, española, eléctrica, y algunas más con voz. La primera impresión es buena y como se pueden editar diferentes parámetros creo que las variables pueden dar mucho juego, más del que a simple vista se nos presenta.

Instrumentos de GarageBand
Al mismo tiempo disponemos de los instrumentos virtuales de GarageBand . Esta es la aplicación de audio que Apple viene integrando en los Mac y que, aunque sencilla, es bastante efectiva, sobre todo a la hora de trabajar con loops. La calidad de estos sonidos es, a mi parecer, mucho mejor de lo que cabía esperar de una aplicación que en teoría no parece estar dirigida al entorno profesional. A destacar los kits de batería y los sonidos de bajo.

Guitar Amp Pro
Otra sorpresa al ir indagando en los efectos del programa es el denominado Guitar Amp Pro, un simulador de amplificación de guitarra que emula el sonido de alguno de los amplificadores más clásicos, como Marshall, Mesa Boggie, Soldano, Fender, etc. Los parámetros para configurar la sonoridad del equipo están presentados de manera muy clara. Podemos elegir la situación del micrófono, bien en el centro o en lateral del altavoz y también el tipo de micrófono, que puede ser dinámico o de condensador. Al mismo tiempo podemos elegir una variedad de amplificaciones, ecualizaciones y formatos de bafles. Bien cajas de 2 x 12, 1 x 12, 4 x 10, etc., abiertas o cerradas por detrás. También podemos incluir algunos tipos de vibrato, trémolo y reverb. El resultado es muy interesante y dedicándole un buen rato se pueden obtener un sonido más que notable. Para distorsiones quizá puede que no esté al gusto de todo el mundo. Yo he intentando acercarme al timbre que habitualmente utilizo y aunque aproximándome, debo decir que prefiero seguir usando el ampli. En cambio con los sonido limpios es otra historia, y se puede grabar perfectamente por línea teniendo un rendimiento excelente.

Navegador Loop
Esta ventana es una de las funciones que últimamente más he esperado en los diferentes softwares de audio. Y es justamente lo que nos ofrece esta opción. La posibilidad de encontrar rápidamente una serie de loops, todos ellos ordenados por estilos, géneros, instrumentos, por el tipo de compás. Al mismo tiempo podemos ver el formato, es decir si son audio o midi, el tempo, la duración en beats. Tenemos también una gran flexibilidad para ajustar los loops de manera automática al tempo del tema, así como la afinación. Todo este proceso se puede desarrollar con una gran agilidad lo cual es muy de agradecer, ya que uno de los mayores impedimentos al trabajar con loops es la cantidad de tiempo que se pierde en ajustarlos y editarlos. Por otra parte cada vez son mas las compañías que desarrollan loops en el formato de Apple, con lo que ponen las cosas mucho mas fácil a los usuarios de Logic Pro 7. Simplemente comentaré que en apenas 15 minutos hemos montado un tema a base de loops. Seleccionando por géneros me he dirigido a Jazz y allí he elegido a su vez unas baterías con el nombre de Lounge Jazz Drums. Seguidamente unos bajos muy interesantes denominados Cool Upright Bass. Tambien he seleccionado un piano eléctrico, Fusion Electric Piano y por ultimo he añadido algunas percusiones. El resultado es sorprendente y la calidad del audio también.

Otra de las particularidades de la nueva versión de Logic es la posibilidad de conectar y sincronizar distintos ordenadores con la finalidad de repartirse la carga que sobre el procesador llevan a cabo el uso de los diferentes recursos, plug-ins, efectos, herramientas, etc. Esta conexión se puede llevar a cabo vía Ethernet o FireWire.
No puedo dejar de mencionar otros plug-ins que han llamado mi atención, como el Ringshifter, el Vocal Transformer o el Match EQ, aunque por la brevedad del artículo no puedo extenderme sobre ellos. Finalmente reseñar que Logic Pro 7 nos permite tener hasta 255 pistas de audio, 128 pistas para instrumentos virtuales e ilimitadas pistas midi. En cada una de las pistas de audio podemos insertar 15 plug-ins y 8 envios de efectos. Podemos controlar todos los todos los parámetros en tiempo real, ya sean de los efectos, instrumentos, midi, etc. Proporciona a su vez la reproducción de QuickTime de forma sincronizada como referencia visual para composición sobre imagen.

Lo que me ha resultado sorprendente es, como desde la ventana de arrange, se puede automatizar todo, no solo volumen o panorámicos sino hasta el más mínimo detalles de los efectos, sintes virtuales, midi, etc. En esta misma ventana podemos mezclar loops, instrumentos virtuales, archivos de audio y mezclarlos en estéreo o en Surround.
Como músico y usuario de sistemas informáticos aplicados a la música, he intentado desarrollar mi criterio en dirección a buscar el equilibrio entre, la calidad y prestaciones de un sistema, con la facilidad en el uso y manejo. Llevo unos años trabajando con Nuendo, y hace poco recibí Cubase SX3. Hacer una comparativa de Logic Pro 7 con respecto a estos dos programas me resulta realmente complicado ya que todos ellos tienen una gran calidad y prestaciones aunque diferentes, en el fondo similares. Por una parte los programas de Steinberg son tremendamente intuitivos y para quienes no podemos permitirnos perder mucho tiempo con las máquinas son de gran ayuda en este sentido. Por otra parte Logic está ofreciendo una integración impresionante con otros softwares marca de la casa como GarageBand, los loops de JamPack y un funcionamiento muy bien optimizado con respecto a los nuevos Macs, los G5. Si tuviera que poner una pega, sin duda sería el precio, creo que éste se puede ajustar algo más. En cualquier caso, mi valoración global es excelente.

Para ver la ficha técnica y tabla de valoración descarga la Revista en PDF

Chema Vilchez

Apple, la conocida marca de computadoras, software y el últimamente famoso iPod, decidió hace algún tiempo entrar de lleno en el mundo de la creación musical a través de un software propio, para ello creó un programa denominado GarageBand y compró la empresa alemana Emagic, autora del tan usado Logic. Apple, con sus ordenadores Macintosh llevaba muchos años siendo la plataforma de hardware elegida por un gran número de profesionales en la industria musical. Estudios de grabación, productores y músicos de todo el mundo hemos confiado en la calidad y la estabilidad de estos ordenadores.

Realmente, la incorporación manifiesta de Apple en la música ha tenido lugar por la puerta grande, ya que adquiriendo Logic, un software con anterioridad muy desarrollado, ha logrado en tiempo record miles de nuevos clientes, muchos de ellos pendientes de las nuevas actualizaciones y mejoras. Pues en Logic Pro 7, última versión, fruto ya de la “manzana”, nos encontramos con evidentes progresos con respecto a las versiones posteriores.
De entrada, la interfaz gráfica ha cambiado bastante incorporando parte de la estética de los demás softwares de Apple y, ofreciendo, un destacable toque de sencillez y simplicidad en relación a lo que Emagic nos venía ofreciendo en versiones previas. Bajo las primeras impresiones cabe resaltar que poco a poco se va acercando a la facilidad e “intuitividad” en el manejo que tienen otros programas, como Cubase SX3 o Nuendo 3. Asimismo, tiene una cantidad tal de herramientas, efectos y sintetizadores virtuales, que hace realmente imposible resumir en estas breves páginas todas las posibilidades. Sin duda esta última versión es un paso de gigante con respecto a las posteriores. Lo que a mi modo de ver constituye una de las grandes aportaciones de esta actualización, es la implementación de un soporte gráfico para loops. Para los nuevos usuarios de Logic y de los sistemas de software en general va a resultar ser una herramienta tan útil como accesible.

A continuación trataré de describir algunas de las particularidades más características.

Instrumentos Virtuales
Me ha llamado la atención un par de cosas, la calidad de estos instrumentos y la decisión por parte de la compañía de incluir con el programa una gran cantidad de recursos, posiblemente suficientes para no necesitar terceras partes a la hora de realizar una producción musical.

Así pues nos encontramos por un lado con el ya conocido sampler de Logic EXS24, que tiene notables mejoras, entre otras, el arrastre de audio y zonas de edición de forma gráfica y la posibilidad de leer múltiple formatos: Akai, GigaSampler, SampleCell II, SoundFont2, REX2 y por supuesto su propio formato EXS24 con una resolución de audio de 24-bit/192kHz. Pero además tenemos el órgano Hammond B3, el Hohner D6, el sintetizador Sculpture o la caja de ritmos virtual UltraBeat.

Sculpture
El sintetizador Sculpture, está basado en un nuevo sistema de modelado que proporciona una multitud de sonidos. Después de una hora probando creo que apenas he visto una ínfima porción de sus posibilidades. La calidad de este sinte, tal y como reza en el manual pdf, se debe a que Sculpture utiliza algoritmos que simulan las características de comportamiento de una cuerda y nos permite la manipulación y el diseño del sonido a través de sus parámetros fundamentales, el material; nylon, metal, madera, o determinar como se activa la vibración. El sonido resulta finalmente orgánico y muy expresivo. Bajo mi punto de vista, uno de los mejores que haya escuchado en un sintetizador ya sea en formato hardware o software. Por otra parte tenemos una serie de sintetizadores denominados EFM1, ESM, ESE, y ESP. Por las pruebas que estoy realizando son muy fáciles de manejar y los parámetros se presentan de manera evidente. En mi caso, que soy un enamorado de los Fender Rhodes, me encuentro con el plug-in , EVP88 Fender Rhodes-Wurlitzer-Hohner. Un sonido ya clásico a la vez que legendario. El EVP88 es realmente preciso y se me hace una réplica excelente al instrumento auténtico. Podemos variar el sonido a nuestro gusto y los presets que trae, Mark IV, Stage Piano, y el Wurlitzer, por mencionar algunos son de entrada perfectos.

Ultrabeat
Ultrabeat es una caja de ritmos virtual, un sintetizador de percusión con diferentes tipos de síntesis, y que contiene hasta 24 voces. Cada sonido se puede modificar individualmente. Incluye sonidos FM, analógicos, o podemos reproducir nuestros propios samples. También podemos crear fácilmente loops por medio de un secuenciador integrado, y la verdad es que, probando rápida y aleatoriamente diferentes opciones surgen unos ritmos interesantes y con una calidad de audio extrema. Puedo imaginarme que para los amantes de la música electrónica y del Chill Out este plug-in va a ser una herramienta especialmente útil.

Efectos
En cuanto a los efectos hay una gran cantidad de ellos, delays, compresiones, reverbs, filtros, modulaciones y distorsiones. Muchos de ellos ya venían en las versiones anteriores y creo que no hay nada especial a reseñar. Si me parece especialmente destacable el Space Designer. Este efecto es una reverb de altísima calidad. Tiene por una parte simulaciones de espacios acústicos como teatros catedrales, salas de conciertos, túneles o cuartos de baño, y por otra parte, unidades de reverbs y efectos especiales algo exóticos. Algunos de los presets ya vienen predeterminados para diferentes instrumentos en específico, guitarras, pianos, baterías, voces, cuerdas, etc. Space Designer contiene una librería de más de 1000 opciones, así que yo he probado unas 30 con las guitarras acústica, española, eléctrica, y algunas más con voz. La primera impresión es buena y como se pueden editar diferentes parámetros creo que las variables pueden dar mucho juego, más del que a simple vista se nos presenta.

Instrumentos de GarageBand
Al mismo tiempo disponemos de los instrumentos virtuales de GarageBand . Esta es la aplicación de audio que Apple viene integrando en los Mac y que, aunque sencilla, es bastante efectiva, sobre todo a la hora de trabajar con loops. La calidad de estos sonidos es, a mi parecer, mucho mejor de lo que cabía esperar de una aplicación que en teoría no parece estar dirigida al entorno profesional. A destacar los kits de batería y los sonidos de bajo.

Guitar Amp Pro
Otra sorpresa al ir indagando en los efectos del programa es el denominado Guitar Amp Pro, un simulador de amplificación de guitarra que emula el sonido de alguno de los amplificadores más clásicos, como Marshall, Mesa Boggie, Soldano, Fender, etc. Los parámetros para configurar la sonoridad del equipo están presentados de manera muy clara. Podemos elegir la situación del micrófono, bien en el centro o en lateral del altavoz y también el tipo de micrófono, que puede ser dinámico o de condensador. Al mismo tiempo podemos elegir una variedad de amplificaciones, ecualizaciones y formatos de bafles. Bien cajas de 2 x 12, 1 x 12, 4 x 10, etc., abiertas o cerradas por detrás. También podemos incluir algunos tipos de vibrato, trémolo y reverb. El resultado es muy interesante y dedicándole un buen rato se pueden obtener un sonido más que notable. Para distorsiones quizá puede que no esté al gusto de todo el mundo. Yo he intentando acercarme al timbre que habitualmente utilizo y aunque aproximándome, debo decir que prefiero seguir usando el ampli. En cambio con los sonido limpios es otra historia, y se puede grabar perfectamente por línea teniendo un rendimiento excelente.

Navegador Loop
Esta ventana es una de las funciones que últimamente más he esperado en los diferentes softwares de audio. Y es justamente lo que nos ofrece esta opción. La posibilidad de encontrar rápidamente una serie de loops, todos ellos ordenados por estilos, géneros, instrumentos, por el tipo de compás. Al mismo tiempo podemos ver el formato, es decir si son audio o midi, el tempo, la duración en beats. Tenemos también una gran flexibilidad para ajustar los loops de manera automática al tempo del tema, así como la afinación. Todo este proceso se puede desarrollar con una gran agilidad lo cual es muy de agradecer, ya que uno de los mayores impedimentos al trabajar con loops es la cantidad de tiempo que se pierde en ajustarlos y editarlos. Por otra parte cada vez son mas las compañías que desarrollan loops en el formato de Apple, con lo que ponen las cosas mucho mas fácil a los usuarios de Logic Pro 7. Simplemente comentaré que en apenas 15 minutos hemos montado un tema a base de loops. Seleccionando por géneros me he dirigido a Jazz y allí he elegido a su vez unas baterías con el nombre de Lounge Jazz Drums. Seguidamente unos bajos muy interesantes denominados Cool Upright Bass. Tambien he seleccionado un piano eléctrico, Fusion Electric Piano y por ultimo he añadido algunas percusiones. El resultado es sorprendente y la calidad del audio también.

Otra de las particularidades de la nueva versión de Logic es la posibilidad de conectar y sincronizar distintos ordenadores con la finalidad de repartirse la carga que sobre el procesador llevan a cabo el uso de los diferentes recursos, plug-ins, efectos, herramientas, etc. Esta conexión se puede llevar a cabo vía Ethernet o FireWire.
No puedo dejar de mencionar otros plug-ins que han llamado mi atención, como el Ringshifter, el Vocal Transformer o el Match EQ, aunque por la brevedad del artículo no puedo extenderme sobre ellos. Finalmente reseñar que Logic Pro 7 nos permite tener hasta 255 pistas de audio, 128 pistas para instrumentos virtuales e ilimitadas pistas midi. En cada una de las pistas de audio podemos insertar 15 plug-ins y 8 envios de efectos. Podemos controlar todos los todos los parámetros en tiempo real, ya sean de los efectos, instrumentos, midi, etc. Proporciona a su vez la reproducción de QuickTime de forma sincronizada como referencia visual para composición sobre imagen.

Lo que me ha resultado sorprendente es, como desde la ventana de arrange, se puede automatizar todo, no solo volumen o panorámicos sino hasta el más mínimo detalles de los efectos, sintes virtuales, midi, etc. En esta misma ventana podemos mezclar loops, instrumentos virtuales, archivos de audio y mezclarlos en estéreo o en Surround.
Como músico y usuario de sistemas informáticos aplicados a la música, he intentado desarrollar mi criterio en dirección a buscar el equilibrio entre, la calidad y prestaciones de un sistema, con la facilidad en el uso y manejo. Llevo unos años trabajando con Nuendo, y hace poco recibí Cubase SX3. Hacer una comparativa de Logic Pro 7 con respecto a estos dos programas me resulta realmente complicado ya que todos ellos tienen una gran calidad y prestaciones aunque diferentes, en el fondo similares. Por una parte los programas de Steinberg son tremendamente intuitivos y para quienes no podemos permitirnos perder mucho tiempo con las máquinas son de gran ayuda en este sentido. Por otra parte Logic está ofreciendo una integración impresionante con otros softwares marca de la casa como GarageBand, los loops de JamPack y un funcionamiento muy bien optimizado con respecto a los nuevos Macs, los G5. Si tuviera que poner una pega, sin duda sería el precio, creo que éste se puede ajustar algo más. En cualquier caso, mi valoración global es excelente.

Para ver la ficha técnica y tabla de valoración descarga la Revista en PDF

Introducción
Siempre es un placer para mi probar guitarras de la firma Alhambra. Entre otras cosas porque independientemente de los resultados, que suelen ser muy satisfactorios, se percibe el mimo y entusiasmo con el que sus guitarras son fabricadas. Me gustan todos los detalles que el fabricante incorpora, de tal modo que cuando abres la caja te encuentras un buen estuche, documentación del instrumento y del previo si lo hubiere, una tapa para el aro del cuerpo y una gamuza para la limpieza y buena conservación del instrumento. A estos elementos, se añade el olor a maderas nobles que rezuma por los rincones del estuche y que llegan a mis sentidos indicándome que tengo una buena pieza a mi alcance.

Por otra parte y como otros guitarristas piensan, e incluso manifiestan en el foro ISP (www.ispmusica.com), está bien que la producción de acústicas se haga en España, pues con tanta tradición en la construcción de guitarras en nuestro país, son pocos los que se lanzan a la fabricación de este tipo de instrumento.

Cuerpo y acabado
Tenemos en banco de pruebas una guitarra de caja ancha, concretamente de medidas 41,5 cm de ancho x 51 cm de largo x 10 cm de fondo. Como habréis apreciado en la ficha técnica, los materiales de construcción empleados son excelentes y esto afecta de una forma totalmente definitiva en el sonido del instrumento.

El acabado de la guitarra es exquisito, todos los detalles cuidados a la perfección y por tanto, la sensación que transmite, tal y como anunciaba en la introducción, es de un instrumento preciso y delicado.

La construcción de Alhambra es peculiar, pues es la única en este tipo de guitarras, que se realiza mediante sistemas con técnicas artesanas y tradicionales - método de cola de milano (dove tail joint) o de espiga (tenon joint) , o sus variantes - . Las mismas que en sus guitarras clásicas españolas. Esta forma en las técnicas de construcción, aportan solidez al conjunto del instrumento: Mástil + Cuerpo, como si se tratase de una sola pieza.

Termino este apartado comentando la existencia de un golpeador transparente situado justo en la parte inferior del aro (lógicamente).

El clavijero y afinación
Cromado en dorado, este clavijero (en suma a su construcción) hace que la guitarra tenga una afinación extremadamente precisa. El tacto de las clavijas es firme pero sensible, procurando una minuciosa capacidad de ajuste. Siguiendo con afinación, subrayar (algo común en otras guitarras Alhambra que he probado) una octavación impoluta. Afinación /octavación excelente, es una combinación que confiere seguridad al guitarrista, pues sabrá que el instrumento no le hará sentir incómodo en un momento dado, y nuestra preocupación podrá volcarse al 100% en la interpretación, sin estar pendientes de esa parte del diapasón que suena poco templada, por ejemplo.

La electrónica
Antes de entrar en el sonido (enchufado y desenchufado), nos detenemos en el previo: un Fishman Prefix Premium Blend (Acoustic guitar system).

El previo esta diseñado para captar el sonido del instrumento por dos vías: la pieza sobre el puente y bajo las cuerdas y el micro situado en el interior (visible desde el aro). Este particular, nos permite realizar tomas en mono (cosa habitual), pero también abre nuestras posibilidades a la captación en estéreo. Un Jack ¼ estéreo conectado a la guitarra y dos mono (o dos XLR) serán los responsables de transmitir la captación del instrumento en dos canales. Todo ello con los oportunos ajustes desde el previo, facilitando una buena versatilidad en las tomas.

Como todos sabéis, el hecho de captar la guitarra por dos fuentes, procura una mayor riqueza y manifiesta un realismo superior en las grabaciones.

Siguiendo con el previo, además de contar con los ajustes habituales de notch, phase, volumen, ecualización graves y agudos, contour, led de batería, frecuencia, y blend, nos brinda un afinador incluido. Un sistema sencillo (en realidad no hace falta más) pero efectivo. Mediante el pulsador "turner", activamos el afinador, que nos irá indicando cuerda por cuerda el estado de la misma (en tono) y la corrección precisa para conseguir la afinación perfecta.

En definitiva, herramientas más que suficientes para conseguir un enorme abanico de sonidos cuando la guitarra está amplificada.

Su sonido
Sin amplificar
El instrumento me ha parecido especialmente dulce. Esta dulzura viene aderezada por un juego de cuerdas Elixir, que además de poseer cualidades que prolongan su larga duración de vida, proporcionan un sonido agresivo y metálico. Esta combinación es buena, pues la guitarra no queda apagada, pero a la vez no resulta estridente.

El buen tamaño de la caja de resonancia hace que la guitarra tenga un volumen más que satisfactorio. Aunque he de decir que lo que más me gusta en esta y otras Alhambra, es su buen empaste entre todas las cuerdas. No existen picos, cosa que en otras guitarras si pasa; es decir, que el sonido es muy uniforme y podemos matizar intenciones más fuertes o marcadas sin peligro de provocar un "chillido" inesperado. Estas características que describo, junto a la buena afinación que comentaba antes, hacen de la guitarra un instrumento completamente seguro ya que sabes bien como va a responder y no has de tener cuidado con posibles "imperfecciones" ajenas a tu interpretación.

Incluso con las cuerdas Elixir, el tono no es chillón y la guitarra suena estupendamente bien, tirando hacia lo oscuro. Personalmente, me gusta.

Amplificado
Este tono discreto (pero magno) que describía en las líneas anteriores, puede modificarse por completo a través del previo. Las posibilidades, en cuanto a colores de sonido, crecen de forma considerable una vez amplificada la guitarra. Podemos buscar la combinación más indicada para cada tema, según la necesidad, ampliando los medios, graves, agudos, variando el notch, blend etc....

La posibilidad de captar la guitarra en estéreo y con tomas diferentes, hacen que consigamos dos pistas llenas de matices y realismo, cosa que por ejemplo en "colchones" de acústicas en ritmo, dan una vidilla estupenda a la grabación.

He realizado diversas pruebas, tanto en rasgueos, arpegios y solos, con resultados muy satisfactorios. El sonido de una acústica es muy personal, y cada cual tendrá sus propias preferencias. En este sentido, es difícil evaluar si su sonido te gustará o no, aunque a mi personalmente me parece tan versátil que puedes conseguir prácticamente cualquier sonido que busques. Puedes escuchar como suena en www.ispmusica.com

Si realizas una grabación, en mono, con un arpegio y luego grabas de nuevo en mono otro arpegio que juegue con el anterior, abriendo un poco cada canal (izquierda / derecha), obtienes una fusión perfectamente empastada, aunque toques en lugares muy diferentes del diapasón, consiguiendo un resultado final súper interesante.

Conclusiones
Creo que está casi todo dicho. Al hilo de lo que decía sobre que es difícil evaluar si un sonido acústico te puede gustar o no, lo que si sé es que a una guitarra acústica se le debe exigir afinación, octavación, sonidos uniformes, flexibilidad y realismo en el previo, buenas maderas, cuidado en los acabados, precisión en el clavijero y esta lo tiene todo. Concluyo pues en que independientemente de lo afín que pueda ser el sonido a lo que tu buscas, la guitarra es excelente y tiene prácticamente todo lo que un guitarrista puede pretender de una guitarra acústica.

01/01/2005