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Pedro Barceló. Ser batería y sin embargo músico.

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Aunque una cosa no va reñida con otra (ser músico y batería) hay mucha gente que piensa lo contrario. Si me lo permitís, haré un recorrido por las preguntas que me suelen hacer en mis clinics y que, por su frecuencia, pienso que son las que más preocupan a los baterías. Pero antes os definiré lo que es ser músico, para mí. Si os parece, y para que todo quede concretado, me haré mi propio cuestionario.

¿Qué crees que significa ser o sentirse músico?
A veces he imaginado como surgiría el primer músico de la tierra. Yo creo que pudo ser un cantante, porque la voz es el instrumento que la naturaleza nos ha incluido dentro de nuestro cuerpo. Con la voz nos comunicamos y a través de ella expresamos nuestras emociones. Pero , acto seguido, el ritmo tuvo que salir de una manera espontánea, ya que la sensación de espacio y tiempo, también nos acompaña desde que nacemos. Supongo que el primer músico intentaría imitar algún sonido y aparecerían los cánticos. La voz expresa lo que el ser humano siente usando su capacidad de crear melodías. Es un desahogo placentero, que a la vez contagia a quien lo escucha. La voz sería, junto con el ritmo, lo primero que el músico utilizó para expresar con sonidos y golpes sus emociones. Incluso hoy en día, existen culturas primitivas en el planeta que tienen como únicos instrumentos en su música la voz y la percusión. Después de esto ,creo que podemos decir fácilmente qué es un músico: una persona que puede transmitir sus sentimientos a través de un instrumento. Por lo tanto si alguien transmite y expresa cuando toca, independientemente del instrumento que elija, será músico.

¿Cómo se transmite con un instrumento?
Ésta sería la pregunta lógica después de la anterior. Para mí es fundamental sentir la pasión por la música y por el instrumento que se elija. La pasión es la fuerza que hace luchar y progresar en el camino. Es la energía impulsora para conseguir metas: pasión y emoción. Cuando tocas debes sentir esa emoción, que no es más que amar lo que haces. Todo el mundo necesita trabajar, pero muy poca gente ama su trabajo. En la música es fundamental que disfrutes del hecho de tocar, que no te importen ni las horas, ni el esfuerzo, porque tocar ya es un aliciente que te hace feliz. Resumiendo; para transmitir tocando, es necesario sentir esa pasión y emoción cada vez que te sientas detrás de la batería o de cualquier otro instrumento.

Pedro-Barcelo-ISPmusica-3¿Es importante la técnica?, ¿Cuánto tiempo se debe dedicar a la práctica?
La técnica es importante para poder "hablar", ya que se trata de un lenguaje. Dominar el instrumento es una necesidad, sobre todo al principio. La primera etapa de un músico es la más delicada. Creo que es donde necesitamos una ayuda exterior, es decir, de escuelas o profesores, para adquirir unas buenas bases y así poder crecer sin adolecer de lo fundamental. Los cimientos de todas las cosas deben ser sólidos para que todo se construya de la misma manera. Al principio se debe dedicar mucho tiempo al estudio del instrumento para conocerlo y dominarlo. Una vez conseguido, creo que entramos en otro punto de la evolución del músico, que es la búsqueda de su personalidad. Si pensamos que la esencia del músico es expresar, entramos en otro mundo, quizás más difícil que adquirir una buena técnica. Se trata de que seas tu mismo y que la gente te reconozca cuando tocas. Pero si desde el primer momento somos sinceros a la hora de elegir el instrumento, si amamos lo que hacemos y nos entregamos con pasión cuando tocamos, sólo necesitamos tiempo para conseguir ser nosotros mismos a la hora de tocar. La práctica siempre continúa, lo que cambia es el contenido. Para mí, la practica se basa en estar en contacto con mi batería y no perder la sensación de libertad que necesito para expresar lo que quiero. Esta practica no sólo se basa en estudiar conceptos técnicos, sino también en encontrar la motivación , la concentración y la relajación cuando toco. La cantidad de horas que le dediquéis depende de cada individuo. Lo importante es que estéis cómodos con el instrumento y hagáis en el lo que mas os guste hacer .Si surgen problemas cuando tocáis, sean técnicos o no, vuestra práctica se debe basar en solucionarlos. A veces podéis tener un bloqueo personal que os impida tocar con libertad. Vuestra práctica, en este caso, consistiría en arreglar este bloqueo, no en tocar y tocar en el local ejercicios más o menos difíciles de técnica. Los complejos y problemas de esa índole , no se solucionan desde el instrumento, sino desde nosotros mismos.

¿Es posible que un músico pueda ser bueno si carece de técnica?
Esta pregunta me la suelen hacer los baterías un poco "vaguetes".Yo la suelo responder al revés; hay músicos que tienen una técnica excelente y sin embargo no transmiten nada cuando tocan. Éstos quizás no sean unos genios, pero pueden ser buenos profesionales y trabajar dignamente en la música. También he de decir que hay personas que nacen con el don de comunicar, y hagan lo que hagan, estudien mucha técnica o no, siempre serán dignos de admiración. Quizás ellos crean la imagen de que todo es fácil y no es necesario el sacrificio, pero la inmensa mayoría necesitamos trabajar duro para conseguir nuestras metas, sean o no técnicas. Todos conocemos baterías que saben hablar con el instrumento que tienen muy buena técnica y otros que también lo consiguen con una técnica menos sofisticada. Creo que esta claro que la diferencia de ser o no ser músico, no estriba en ser más o menos técnico , sino en transmitir más o menos cuando tocas.

¿Por qué cuando tocamos tenemos que demostrar que somos buenos?
Es cierto que es un complejo muy común. Cuando subimos al escenario nos creemos que todo el mundo se fija en lo que estamos tocando. Máxime si vienen a vernos compañeros del gremio. Los egos suelen salir en cualquier situación, y en el escenario especialmente; sino que se lo digan a los actores. Creo que el problema comienza en la manera que nos tomemos la música. Hoy por hoy, nos venden la imagen competitiva del músico hiperpreparado que toca muchísimo y alucina a todos, público, amigos o enemigos. Quiero decir con esto, que si esa es tu idea de ser músico ,quizás se aleja de la definición que dimos al principio. Hay gente competitiva por naturaleza y hasta un límite puede ser una motivación, pero ,desde mi punto de vista, no es necesario ser mejor que nadie o ganar a todos, porque en la música sólo puedes ganarte a ti mismo consiguiendo disfrutar cada día que toques, y queriendo mantener la sensación de libertad que te produzca el ser tal como eres, y expresarlo sin miedo detrás de tu batería. Si consigues eso, puedes considerarte un ganador, y podrás guardar ese momento para conseguir el estimulo que necesitas cada vez. Esto es mucho más difícil de conseguir que impresionar al personal con alardes técnicos que finalmente no te hacen tan feliz.

Pedro baercelo ispmusica sermusicoybaeteria

¿Es bueno aprender un segundo instrumento?
Desde luego que lo es. Nosotros estamos detrás de la banda, y como baterías debemos dejar el espacio para que el resto de instrumentos se sientan cómodos. Saber de los demás, hará conocer mejor aquello que esperan de nosotros. No solamente nos viene bien conocer un segundo instrumento, creo que nos viene bien ampliar nuestros "hobbies". La gente tiene la imagen del batería como alguien que esta todo el día dando golpes y cuando no lo hace , pensando en ligar. Si ampliamos nuestro campo de aficiones y nos nutrimos de otras cosas, todo eso se transformara en riqueza que saldrá en nuestra manera de tocar. Es tan importante ver una película, una función de teatro, leer un libro, viajar, etc. como ir a un concierto o estar tomando "birras" en el local. Cuanto más rica sea tu vida , más cosas podrás decir cuando toques.

¿Qué significa ser musical?
Creo que la musicalidad para algunos baterías es tener conocimientos de otros instrumentos o, quizás, haber oído mucha música y controlar todos los grupos y artistas de la historia. Para mí es otra cosa. Ser musical es tan sencillo como meterte dentro de la música que tocas y desde allí dejarte llevar e interpretar. Es necesario escuchar a todos los demás instrumentos de la banda y, sobre todo, a la melodía. Si no sabemos escuchar, difícilmente podremos ser musicales. La musicalidad se puede adquirir, pero no como una técnica más, sino como una capacidad que desarrollamos desde nuestro sitio. En un batería depende de nuestra postura hacia el resto de la banda cuando tocamos. Es necesario abrir los oídos y dar lo que necesita la música. Debes pensar en el resultado, no en tu instrumento, como algo individual. Estás en una banda y el "todo" es lo que importa. Cuanto más te preocupa el resultado global más musical te vuelves.

¿Qué marca de batería es tu preferida, en caso de no ser "endorser" de una compañía?
Desde que empecé han pasado muchas o algunas marcas por mis manos. Si yo os preguntara que chica es la preferida de todas las que habéis tenido de novias, ¿que diríais? La última, supongo. Yo os voy a ser sinceros, cualquier batería que me permita conseguir el sonido que me gusta con facilidad puede ser mi preferida. Todas las marcas tienen modelos con los que puedes conseguir y alcanzar esa meta, es decir encontrar tu sonido.

Entonces, ¿cualquier batería es buena?
Cualquier batería es buena si te permite sacar el sonido que te gusta. La dificultad está mas cerca del músico que del instrumento en sí. Puedes hacer la afinación que se te ocurra con tu batería y conseguir sonar muy bien o que suene desastrosa; todo depende del músico y de su experiencia. La búsqueda del sonido es un camino largo e individual. Cada batería busca el sonido que lleva dentro, y si quiere sacarlo al exterior, necesita tiempo para experimentar y conocer al instrumento y a si mismo. Sólo después de muchos años se aprende qué sonido va mejor, y te ayuda a expresarte con naturalidad. Conocer tu sonido es conocerte.

¿Los estilos son importantes para tener un sonido en la batería?
Evidentemente un estilo determinado hace que tu afinación sea diferente. Yo en mi caso, he tocado de todo y he aprendido a desenvolverme cómodamente en distintas afinaciones. En estudio, por ejemplo, ser versátil con el sonido me ha venido muy bien. A veces los productores piden un determinado sonido y debes saber sacárselo a tu batería. Eso supone que cuando toques deberás sentirte cómodo y transformar tu manera de tocar. No se toca igual con un sonido muy alto de afinación y con muchos armónicos, que con otro muy grave y apagado. Esta capacidad de transformación es muy valorada en estudio.

¿Qué te gusta más tocar en directo o en estudio?
Me gusta tocar en las dos situaciones. Es cierto que son bien distintas y requiere por parte del músico posturas diferentes. Lo más difícil del estudio es sentirte relajado y motivado con la emoción que en el directo consigues fácilmente. En el estudio te sientes cortado porque todo es más frío. No hay público y se hace para una audiencia que no se encuentra allí. Al tocar separado de tus compañeros no sientes el apoyo de ellos, tal como sucede en directo. Para mí es más fácil motivarme en directo, pero cuando aprendes las reglas del estudio y te relajas, las posibilidades que te ofrece son muchas y muy interesantes.

¿Cómo te aprendes los trabajos?
En las giras me suelo hacer guiones para los ensayos. Mis guiones son muy sencillos. Suelen tener las partes y las ideas para tocarlas. Luego, en los ensayos, hago algunos retoques, y cuando empieza la gira, evidentemente, voy perfeccionando las ideas, según se va sentando la banda. En muchas giras empiezo tocando algunos temas de una manera que, con el tiempo, cambio porque no me funcionan como yo deseo. También pueden surgir ideas y sugerencias por parte de los compañeros. Cuando el trabajo es de estudio, a veces me dan maquetas de lo que voy a grabar, y entonces me preparo los guiones, y, al igual que en las giras, apunto algunas ideas. Por lo general suelo ir a ciegas y sin ninguna referencia. En ambos casos todo se define una vez allí, por parte de todo el equipo; es decir músico, técnico de grabación y, fundamentalmente, productor.

Si tú tocaras otro instrumento, ¿qué le pedirías al batería de tu banda?
El batería en una banda es como el motor de un coche. De él depende que todo funcione y que exista relax en la música. Un batería mediocre puede hundir al grupo, y al revés, un batería bueno puede salvar a una banda mediocre. Si yo fuera cantante, o guitarrista, o pianista, no digo bajista porque es el instrumento con el que nos sentimos mas cercanos pediría sencillez, solidez y espacio. Necesitaría sentirme cómodo, sin tener que preocuparme del tempo, ni del "groove" ni de dar más o menos energía a las partes del arreglo. Desde la batería podemos hacer que los demás toquen como desean y que sólo se preocupen de aportar lo que su instrumento debe hacer. Todo ha de caminar perfectamente, con energía, con espacio y con dinámicas. Esta aportación la debe realizar claramente el batería desde su sitio. Alguna vez, de broma, he tocado la guitarra en algún ensayo o prueba de sonido, y siempre me vuelvo hacia el compañero, que se sentó en mi batería ,y siento todas esas necesidades de las que os hablo, y reconozco que son importantísimas en el resultado de todo el grupo.

Podría seguir añadiendo cuestiones, que vosotros me planteáis, y podríamos seguir hablando de este instrumento páginas y páginas. La música es mi vida. Soy batería y eso implica pertenecer a una casta muy especial, para lo bueno y para lo malo. Pero quiero que sepáis que no se puede ser un buen batería si no te sientes músico por dentro y por fuera.

Un saludo para todos.
Pedro.

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